FUEGO TIERRA MAR Y AIRE

I'd like to apologize to English readers for not translating the whole entry. I’m busy these days and this is a long post so I only had time to translate the introduction (you can read it below) from which I think you will be able to keep track. Future posts will continue being in English/Spanish or even only in English, so I invite you to keep on visiting blogenbruto:

Lately I’ve been thinking on the many different aspects of our society that should re-start again from zero. Our relationship with nature and how do we represent it has been the issue that interested me the most. Talking from a global point of view, I think that things started to change slowly and people began to modify some self-destructive behaviors, so I would say that at least is something that we care about. Talking from a photographic point of view, I believe that nature and photography had always been really close together and they still are, creating a relationship that is worth to consider. This post is a selection of different photographers who work related somehow to the earth, the fire, the wind or the water, the four basic elements that the Ancient Greek Civilization established. At the same time, I tried to select photographers that underline the different profiles that we can find in the photography world. That’s why in this text you would not only find well-known contemporary photographers, but also classic ones, science investigators, unfairly forgotten female photographers and amateurs. I wrote this entry as an imaginary exhibition where the relationship between nature and its photographic representation until today is analyzed.

english

_ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _  

español


Llevo ya un tiempo pensando que hay muchos aspectos de nuestra sociedad contemporánea que deberían replantearse desde cero, empezando por la relación que mantenemos con la naturaleza. Los diferentes modos de afrontar nuestro vínculo y la forma de representarlo es una de las cuestiones que más me ha interesado últimamente. Hablando desde un punto de vista global, creo que poco a poco se están intentando cambiar hábitos absolutamente autodestructivos que habíamos adquirido, por lo que diría que es un problema que ha empezado a tomarse en consideración. Hablando desde un punto de vista fotográfico, creo que la fotografía y la naturaleza han guardado y guardan una relación muy estrecha que merece la pena investigar.

Con esta entrada quiero proponer a diferentes fotógrafos que se acercan de alguna manera al fuego, la tierra, el agua y el aire, los cuatro elementos establecidos en la antigua civilización griega. Además de tomar los cuatro elementos como nexo de unión, he intentado escoger a autores que demuestran los diferentes perfiles que se pueden encontrar en el mundo de la fotografía. Por eso, aunque son mayoría, no solo veréis conocidos autores contemporáneos, sino que también encontrareis clásicos,  científicos, fotógrafas injustamente olvidadas y aficionados.  Planteo este post como si fuera una exposición imaginaria en la que se analiza la representación de la naturaleza que ha generado la fotografía hasta el día de hoy.

· Fuego ·

Me parece interesante empezar con alguien que en vez de resaltar el simbolismo, la estética o el uso práctico del fuego hace justamente todo lo contrario. Ed Ruscha se autoeditó “Various small fires” en 1964, este seria su segundo libro de un total de 16 que creó hasta finales de los 70.

 

 

  

Como curiosidad decir que "Various small fires and milk" inspiró a
Bruce Nauman a quemar el libro y fotografíar el proceso que publicó
como libro titulado "Burning small fires" en 1969, que a su vez
inspiró a Jonathan Monk a rodar una pieza en 16mm titulada
"Small fires burning (after Ed Ruscha after Bruce Nauman)" en el 2003.

Como él mismo explica en una entrevista que le hizo el también fotógrafo, comisario y fundador de la revista Artforum John Coplans, sus libros son simples reproducciones de fotos, no busca analizar aquello que da título a sus libros, sino que simplemente lo acumula a modo de una especie de catálogo muy bien diseñado. Ruscha coloca al fuego, ese elemento primordial para el ser humano, a la altura de edificios, parkings, tarjetas de visita o vinilos que fueron algunos de los motivos fotográficos de los que se nutrieron sus libros autoproducidos entre 1962 y 1978. Su trabajo es uno de los mas importante dentro del arte Pop americano y al mismo tiempo también ha podido influenciar a aquellos fotógrafos amantes de la catalogación como pueden ser los Becher y sus estudiantes de la escuela de Dusseldorf.

Durante mi visita al festival de Les Reencontre de Arles 2011 tuve el gusto de ver las fotos de Douglas Gordon de la serie “Self-portraits as You + Me” en una interesante exposición a dúo con el pintor mallorquín Miquel Barceló. En esta serie el autor ganador de grandes premios como el Turner en 1996, quema ciertas partes de retratos de actores y actrices americanas de mitad de siglo, dejando a la vista un fondo de espejo en el que el espectador se puede ver reflejado.

Douglas Gordon ©, Self portrait
as you + me (signoret)

Douglas Gordon ©, Self portrait
as you + me (bette davis)

Douglas Gordon ©, Self portrait
as you + me (jack palace)

Douglas Gordon ©, Self portrait
as you + me (james caan)

Douglas Gordon ©, Self portrait
as you + me (steve mcqueen)

El fuego, la luz y el sol guardan una relación directa innegable y la serie Sunburn de Chris Mccaw lo demuestra.

Chris Mccaw, Sunburn #143
(Monterey Bay)

Chris Mccaw, Sunburn #164
(Mojave)

Chris Mccaw, Sunburn #143
(Black Rock)

Chris Mccaw, Sunburn #114
(Arizona)

Chris Mccaw, Sunburn #269
(Pacific ocean/summer solstice)

Chris Mccaw, Sunburn #190

Creo que merece la pena decir que utiliza papel fotográfico en cámaras de gran formato construidas por el mismo que expone durante larguísimos periodos de tiempo. Tan largos son esos intervalos que el papel queda solarizado y literalmente quemado por la luz del sol, creando agujeros que no dejan lugar a dudas sobre la fuerza y el poder que el sol tiene sobre todo lo que hay aquí abajo en la tierra. En el blog de Photoeye le hicieron una interesante entrevista donde el propio Mccaw explica todo el proceso.

El proyecto 1h de Christian Schink es peligrosamente parecido al de Mccaw.

Christian Schink, 2/21/2010,
7:00 – 8:00 pm, S 38°49.042‘ 
E 174°34.976‘

Christian Schink, 2/26/2010,
7:54 – 8:54 am, S 36°49.622‘ 
E 175°47.340‘

Christian Schink, 6/01/2008,
9:18 – 10:18 am, S 26°03.817‘ 
W 065°54.723‘

Christian Schink,4/05/2009,
6:48 am – 7:48 am, S 24°43.399’ 
E 015°28.310’

Christian Schink, 4/05/2009,
6:31 am – 7:31 am, S 54°48.411’
W 068°18.032’

Christian Schink, 7/14/2007–7/15/2007,
11:28 pm–0:28 am, N 69°37.661’
E 018°13.470’

Si la hipotética exposición que planteo se pudiera llevar a cabo, creo que me vería obligado a sacrificar a Schink en favor de Mccaw, no porque me guste más o menos, sino porque la relación con el fuego queda mucho más clara en su caso y el parecido más que razonable entre ambos autores haría imposible el poder mostrarlos juntos en la misma exposición. En cualquier caso, he de admitir que las imágenes de Schink me atraen más que las de su colega, ya que el proceso técnico que ha seguido para crear las imágenes queda en el aire (nunca mejor dicho), dejando espacio para que nuestra imaginación busque explicaciones y por el camino descubra sensaciones. En mi caso tuve que leer los títulos de cada imagen como por ejemplo esta: 9/17/2006, 8:45 am – 9:45am, N 78°13.370’  E 015°40.024’  y el título del proyecto en sí para entender que cada foto había necesitado de una hora de exposición y que esa barra negra, que inicialmente identifique como un especie de fluorescente, no es más que el sol totalmente sobreexpuesto. Creo que es interesante la relación de estos dos autores con otros como Michael Wesely y sus increíblemente largas (de incluso años) exposiciones o con los Black Suns de Minor White y Ansel Adams.

Para acabar con el tema del fuego y aunque puede que a alguno le parezca que esté un poco metida con calzador, quiero incluir a Barbara Morgan una fotógrafa para mi desconocida hasta hace bien poco y creo que injustamente olvidada. Además de fotografiar a la mítica bailarina y coreógrafa Martha Graham y de realizar preciosos fotomontajes influenciada por su amistad con los Moholy-Nagy, Morgan realizó una serie de imágenes titulada "Light Drawings" en las que dejaba el obturador de la cámara abierto para pintar con luz. Barbara Morgan realizó estás imágenes (de las que la publicidad de hoy en día todavía bebe) alrededor de 1940, doce años antes de fundar la revista Aperture junto al matrimonio Newhall, Berenice Abott, Minor White, Wynn Bullock y Ansel Adams.

Barbara Morgan, Spiral I

Barbara Morgan, Cadenza

Barbara Morgan, Emanation

Barbara Morgan, Pure energy
and neurotic man

Barbara Morgan,
Space Watcher

Barbara Morgan, Samadi

 

Barbara Morgan,
Artificial light from laboratory

· Aire ·
 

Cuando me puse a pensar y a buscar posible candidatos que hubiesen trabajado con la idea del aire, lo que primero decidí fue que quería evitar hablar de autores de fotografía aérea conocidos y exitosos comercialmente pero que, en mi opinión, ya no aportan nada nuevo. Buscando algún artista con un lenguaje más personal llegué a las imágenes de Andreas Gefeller, un  fotógrafo que creo sí que ha conseguido darle la vuelta de alguna manera a la fotografía realizada desde el aire.

Andreas Gefeller, Supervisions

Andreas Gefeller, Supervisions

Andreas Gefeller, Supervisions

Andreas Gefeller, Supervisions

Andreas Gefeller, Supervisions

Andreas Gefeller, Supervisions

Andreas Gefeller, Supervisions

Tampoco puedo decir que sea un completo desconocido porque ha publicado cuatro libros con la editorial Hatje Cantz y ha expuesto sus fotos en países de todo el mundo, pero en cualquier caso me parece que sus fotos aéreas digitalmente intervenidas ofrecen un nuevo punto de vista sobre un género fotográfico que lleva tiempo falto de evolución.

Peru Izeta (que sino me equivoco es el mismo que tocaba la guitarra en el mítico grupo Donostiarra Le Mans) también ha practicado la fotografía aérea pero con un proceso y una estética muy diferente.

Peru crea imágenes en las que el juego, lo aleatorio, el paisaje y el error se mezclan y dan como resultado unas preciosas fotografías de pocas pretensiones. Me gusta mucho encontrarme con gente que se lo pasa tan bien con la fotografía y que además consigue resultados tan bonitos, solo me da un poco de pena que parece que desde el 2004 no ha hecho más fotos o por lo menos no ha actualizado la web con ellas, me gustaría ver más. Por si a alguien no le ha quedado claro el proceso técnico, decir que Peru realiza sus fotos desde una cometa a la que ata una cámara con un pequeño motor de arrastre que dispara automáticamente hasta que se acaba el rollo. Y si a alguien le interesa investigar más a fondo, hay todo un mundo online entorno a la foto aérea con cometa, con su historia, sus tutoriales etc.

Dando un gran salto atrás en el tiempo llegamos hasta Étienne Jules Marey, el fotógrafo que se suele nombrar después de Muybridge, a pesar de que éste reconociera la influencia que tuvo el primero en sus estudios sobre el movimiento. Marey fue un médico, investigador y fotógrafo francés que ha pasado a la historia como el inventor del revolver fotográfico y la cronofotografía entre otras muchas cosas. En este caso me quiero centrar en otro de sus trabajos, que es menos conocido pero que siempre me ha fascinado: sus investigaciones sobre la aerodinámica.

© Cinematheque
française

© Cinematheque
française

© Cinematheque
française

© Cinematheque
française

© Cinematheque
française

© Cinematheque
française

Dedicó tres años de su vida a este trabajo, un tiempo durante el que inventó una de las primeras versiones de lo que hoy llamamos un túnel de viento y realizó estas increíbles fotografías allá por 1899. El valor de estas imágenes en cuanto a lo que supusieron para la aeronáutica ha sido ampliamente reconocido pero, sorprendentemente para mi, su valor estético no lo ha sido tanto. El Musée de Orsay le dedicó una exposición en el 2004 en el que se pudieron ver todas estas imágenes.

Está es la máquina que
Marey construyó para
realizar las fotografías

Una cuadrícula con varias de las fotos de Marey

· Tierra  ·

En este capítulo dedicado a la tierra, he evitado deliberadamente a los grandes paisajistas como los incluidos en la mítica exposición "New Topographics" con la intención de acercarme más a aquellos que se podrían asociar al land-art o la acción fotográfica. Y aunque ya hablé de él en el primer post de este blog, no me importa volver a mostrar las imágenes de Abelardo Morell en las que utilizando una cámara oscura portátil, hace fotografías de paisajes que se proyectan sobre la tierra de ese mismo paisaje. Me sigue pareciendo un trabajo interesantísimo y una de las maneras más intensas que me he encontrado hasta ahora de intentar captar un lugar en su totalidad. Me gusta la idea de que la tierra sea el lienzo sobre el que se dibuja el propio paisaje.

De Albert Gusi podía haber incluido muchas de sus “acciones fotógráficas” en casi cada uno de los elementos de ésta hipotética exposición. He tenido que descartar proyectos que me gustan mucho como “Simulació d’una fumarola al volcá Montsacopa d’Olot” o “Alcan els cims" entre otros, porque creo que “Línia fotogràfica travessant els límits comarcals del Berguedà  i el Ripollès” es el proyecto que mejor funciona en este caso por su contacto directo con la tierra. Me he permitido unir varias imágenes que originalmente se presentan por separado para facilitar la compresión del trabajo, en la web de Albert podeis ver el proyecto al completo.

 

Imágenes del límite de la comarca del Berguedá

Imágenes de la frontera entre el Berguedá (las 2 de la izquierda)
y el Ripollés (las 2 de la derecha)

Imágenes del límite de la comarca del Ripollés

Los de Gusi son fotogramas que a la luz del día analizan la superficie del campo y lo que allí crece, mostrando con fina ironía que no entienden de fronteras comarcales.

Stephen Gill también puso en contacto directo a la tierra con el material fotográfico, aunque en su caso fue un poco más allá, ya que directamente enterró las copias bajo tierra.

 

Su proyecto "Burried" vio la luz también en forma de libro de artista de edición limitada que autoeditó en su editorial Nobody’s Books, en la que la portada da la sensación de haber sido ensuciada a mano con el lodo de Hackney Wick, la zona donde Gill realizó y enterró las polaroids que conforman el proyecto. La publicación ahora agotada se vendia por 200 libras incluyendo una copia C-Print para que la enterrases tú mismo.

· Agua ·

Siguiendo el hilo abierto por Gusi y Gill, pero pasando al elemento del agua quiero empezar hablando de Mathew Brandt y de su serie “Lakes and Reservoirs”.

Wilma Lake CA 1, Mathew Brandt

Fall Creek Lake OR 4, Mathew Brandt

Lake Hollywood CA 3, Mathew Brandt

Lake Casitas CA 3, Mathew Brandt

Shasta Lake CA 4, Mathew Brandt

Lake Union WA 4, Mathew Brandt

El proceso de Brandt comienza fotografíando un lago, imprime las imágenes y finalmente sumerge esas impresiones durante un tiempo en agua que recogió en el propio lago fotografiado. El agua produce alteraciones impredecibles en las imágenes que pueden ir desde la abstracción hasta cierto aire más romántico e incluso retro. Mathew Brandt ya había experimentado previamente con procesos en los que el motivo real y su representación intercambian fluidos en su serie Portraits, donde llevó esa idea a puntos bastante extremos y incluso diría sospechosamente polémicos, ya que recogió y utilizó fluidos corporales que van desde lágrimas a fluidos menstruales pasando por sudor, pus o mocos como parte del contenido químico a la hora de ampliar las copias saladas de los retratados. Aquí teneis más fotos y una entrevista de hace poco.

Siguiendo con la idea de introducirse en el agua la serie “Half Awake Half Sleep” de Asako Narahashi está compuesta por paisajes acuáticos en los que la cámara se sumerge parcialmente el mar, creando algo parecido a un díptico enclaustrado en una sola imagen.

Desde que vi este proyecto por primera vez hace ya un tiempo me vino la idea de que las fotos parecen mostrar el punto de vista que una ballena o un delfín debe tener cuando saca la cabeza del agua para respirar; las fotos de un vouyeur acuático. Me encanta como contrapone el primer plano desenfocado la superficie del mar movido y el paisaje de fondo a lo lejos nítidamente enfocado, creando una sensación contradictoria entre quietud y movimiento. Es muy interesante ese enfrentamiento que crea entre el mar y el cielo, la tierra, la arquitectura, el ser humano etc.

El siguiente autor japonés que os presento se llama Syoin Kajii con su trabajo titulado “Nami" (ola en español). Kaijii es un fotógrafo autodidacta que tras viajar por diferentes países del mundo volvió a Japón a ejercer de monje (sustituyendo a su abuelo fallecido) en un templo budista cercano al mar en la isla de Sado (sé que esta frase puede sonar a historieta de humor pero es la pura verdad). En sus fotos las olas parecen esculturas de líquido solidificado. Es capaz de congelar e incluso descontextualizar por medio de cielos de tonos neutros los instantes más violentos e impredecibles del mar, permitiéndonos ver así aquello que nuestros ojos son incapaces de retener cuando presenciamos estos fenómenos en vivo. Y si por si no fuera suficiente, también hace referencia a uno de los grandes artistas del dibujo japonés.

Desde el principio tuve claro que a pesar de ser fotos que están ya muy vistas, debía incluir a Hiroshi Sugimoto en este post. La serie "Seascapes" con esas imágenes aparentemente simples y minimalistas pero al mismo tiempo tan llenas de información me provocan una sensación parecida a la que me provoca mirar el fuego en una chimenea. Puedo mirarlas durante mucho tiempo casi sin pestañear, admirando su belleza y sintiendo una especie de conexión con el mar. El mismo Sugimoto lo explica mucho mejor que yo:

“Mystery of mysteries, water and air are right there before us in the sea. Every time I view the sea, I feel a calming sense of security, as if visiting my ancestral home; I embark on a voyage of seeing” 

 North Atlantic Cape Breton
Hiroshi Sugimoto

Egean Sea Pillon
Hiroshi Sugimoto

Baltic Sea Ruegen
Hiroshi Sugimoto

Ligurian Sea Saviore
Hiroshi Sugimoto

Lake Superior Cascade
Hiroshi Sugimoto

Sea of Japan
Hiroshi Sugimoto

Y para acabar, propongo el también muy conocido proyecto “A Road Divided” de Todd Hido. Alguno pensará que la relación de estas fotos con el agua no es tan clara o directa. De todas formas he querido elegir estas fotos como final porque más que al agua, me remiten a la humedad. A esa sensación que se le queda a uno después de haber caminado bajo el xirimiri tan típico en Euskadi. 

Supongo que esos paisajes a través de cristales mojados me recuerdan a mi infancia y a los viajes sentado en la parte de atrás del coche de mis padres mientras llovía. Pero en vez de transmitirme frío o desolación, identifico estos paisajes con la sensación que se le queda a uno cuando la tormenta a amainado, cuando nos hemos cambiado la ropa mojada por otra seca y miramos como ha quedado todo a través de la ventana. Por eso me parece que estas fotos funcionan como final para esta exposición ficticia, porque después de haber visto fotos vinculadas al  fuego, la tierra, el aire y finalmente el agua, “A Road Divided” me habla de aquello que queda después.