(bajar para versión en español)

The feeling that those things that concern or interest me, can be also interesting or concerning for others is the greatest satisfaction that I get from this blog. Feeding this blog is an ongoing encouragement for me to keep-on investigating, choosing and thinking; exercises that I used to do before, but that I didn't usually share, so I rarely did them with the rigor and continuity that I do it now. I'm very grateful to that change because things as the one that comes next started to happen to me.

I found Pennsylvania State University Professor Gary Settles' photographic work by chance while I was looking for air related photographers to include in the last entry about fire, earth, wind and water. This 13 Schlieren photographs – a technique which visually seems familiar to me but I didn't know before – that can be found at the Science Photo Library immediately attracted my attention. I decided that the photos not only deserved to be included at that entry, but also were interesting enough to set them apart. 

The scientific point of view connects him directly to Harold Edgerton’s work, but in Settles’ case it was the staging and the everyday actions what fascinated me the most. I might venture to say that I saw connections to those who set the foundations of postmodern photography. I saw the study of typology and document that the Becher’s and their students started in the way that Settles reproduces everyday activities, I also saw the documentation of random strange and/or common actions, which can be linked to Sophie Calle. Finally, I saw the staging that connects directly to Jeff Wall and even to Cindy Sherman, adding in Settles' case that he stages and analyzes the male gender instead of the female, placing the action in a '90s TV shows in opposition to Sherman's '50s and '60s movies.

As with any good photographic work, Professor Settles' work made me have a lot of questions, so I decided to interview him via email, an offer that he kindly accepted.

Question Could you describe what Schilieren photography is and how it works?
Gary Settles Schlieren imaging and the shadowgraph technique are optical instruments which allow us to see phenomeno in the transparent air and water (even glass) that would normally be invisible to the unaided eye.  Technically, these instruments transform a phase distribution (that we can’t see) into an amplitude distribution or image, that we can see.

Q. When and why did you start working with this photographic technique?
G. S. I was a teenager building a science-fair project that needed to have schlieren optics as part of it.

Q. What did you discover through Schilieren photography?
G. S. That would require a very long list.  My students and I have discovered a great many things over the years using these techniques.  Most of what we discovered is written up in our publications, which can be found here. One of the most recent: snipers claim to be able to see a faint “trace” left behind by a bullet in flight.  Using the schlieren technique we discovered that this is actually the turbulent wake of the bullet.

Q. Do you know about other scientific/photographers as Harold Edgerton? Are you familiar with his photographic work?
G. S. I knew Doc Edgerton, who died in 1990.  He was one hell of a good guy.  There are others still living who are in the same mold, such as Andy Davidhazy of RIT (Rochester Institute of Technology).

Q. Do you follow the photographic art scene? If yes, which photographer or movement do you like and why?
G. S. I need to learn more about the photographic art scene.  I look at a lot of photos, and a subset of those I look at gives me ideas.

Q. I am particularly fascinated by the series of 13 images that can be seen at the Science Photo Library website. Did you think about the aesthetics when preparing the scenes or it was just about scientific investigations? 
G. S. I always think about aesthetics when I capture an image.  Sometimes my students don’t do so, and they are satisfied with any old crappy image.  I have to train them out of that habit.

Do those scenes form part of a particular body of work or they were done separately?
G. S. The images on SPL are a cross-section of a life’s work, taking schlieren photos.  They are, in fact, the ones that sell most often. If you search SPL for "schlieren" you will see all images, mine and those of others.  But if you search for "gary+settles" it only shows a subset of my images, namely those taken with our full-scale Schlieren facility.

Q. Is there any reason why the main character in this particular subset of photos is always the same? Who is he?
G. S. My images don’t have a main character.  When a person appears, it’s usually me or one of my students. The man who appears in these particular images is my technician, J.D. Miller.

Q. Which was the parameter that you followed to decide which everyday situation was worth it to be photographed?
G. S. In most of these images I’m looking for invisible everyday phenomena like the human thermal plume, coughing, a candle plume, etc.  In scientific photography, people like to see unusual views of ordinary people and objects.

Q. Are you familiar with photographers as Jeff Wall, Sophie Calle or Cindy Sherman? If you are, do you see any similarities between their work and yours?  
G. S. I don’t feel a general affinity with any of the 3 photographers you mention, though in each case an occasional image of theirs speaks to me.  I feel a much stronger affinity to Andy Goldsworthy, Andy Davidhazy, Peter Steehouwer, Clark Little, Kenneth Libbrecht, and Michael Davison.

Q. Would you feel comfortable with hanging those photos on the walls of an art museum or gallery? If not, why? If yes, do you think that there could be a conflict between the scientific and the artistic uses of the images?  
G. S. Yes, most of my schlieren images could pass for abstract art or scientific art.  That is intentional.  No, there is no conflict.

Have you ever received any offer to publish or show your photos as art pieces?
G. S. On several occasions my photos have been published, e.g. in magazines, more for their artistic than for their technical content.  I have never had an art show, though.

Q. Feel free to add any other message or thought.
G. S. My hobby is oil painting.  You can see a gallery of my paintings here.  And also a gallery of my additional technical photos here.

Gary Settles: Finally I have a question for you: When I retire from the university, one option is for me to devote my time to art and photography.  How do you suggest that I proceed? 
Answer: I have to say that I wish I knew the right answer for that because I would apply it for myself too. I only can recommend you what I think that could work… First thing, the obvious one, keep on making photos or at least do one thing that could help you photographic career every single day. Then, in your case, I would suggest to start editing your photo archive, meaning that I think that you should select, discard and order your photos setting up a consistent body of work. Writing a statement or at least thinking on some bottom line ideas could really help for that, even if once you have it you don’t want to make it public. Then you should show your work, create a website. Do a research of festivals, portfolio reviews, magazines, open calls, websites and blogs that you like and where you think that your work could fit. Then apply and send your photos to all those places that you selected and show it to your closer contacts too. Finally, be persistent and always enjoy making photos.

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La mayor satisfacción que me ha dado este blog es el hecho de que parece que aquello que me interesa o me preocupa también puede interesar o preocupar a los demás. Mantener el blog es un estímulo constante para investigar, elegir y razonar; ejercicios que realizaba anteriormente pero que no hacía públicos, por lo que casi nunca los llevaba cabo con tanto rigor y continuidad como ahora. Tengo que decir que estoy muy agradecido a ese cambio ya que ha permitido que me sucedan cosas como la que viene a continuación.

Mientras buscaba fotógrafos para el post anterior sobre el fuego, la tierra, el aire y el mar por pura casualidad acabé topándome con el trabajo del profesor de la Pennsilvania State University Gary Settles, que se puede encontrar en la web de la Science Photo Library. Sus fotografías Schlieren (una técnica que aunque visualmente me es familiar, desconocía por completo) con las que desarrolla investigaciones científicas rápidamente llamaron mi atención. En ese momento decidí que no solo merecían ser parte de ese post, sino que ese trabajo me parecía lo suficientemente interesante como para dedicarle toda una entrada. 

El claro punto de vista científico hace inevitable que las fotos me recuerden al trabajo de Harold Edgerton, pero en el caso de Settles creo que la puesta en escena y las acciones que se llevan a cabo en ellas fueron las características que me atraparon. Me atrevo a decir que veo vínculos con los trabajos de aquellos que pusieron los cimientos del postmodernismo en la fotografía. Obviamente está el estudio científico de la tipología y catalogación establecida por los Becher y sus discípulos en la forma en la que Settles reproduce situaciones cotidianas. También veo la documentación de esas acciones cotidianas y/o extrañas que se acerca al trabajo de Sophie Calle, por no hablar de la fotografía escenificada de la que Jeff Wall podría ser un referente o incluso Cindy Sherman, añadiéndole en este caso la diferencia de que el género escenificado y criticado en este caso sería el masculino y en vez de situarse en situaciones parecidas a películas del los 50s o 60s, Settles parece acercarlo a escenas propias de series de televisión de los 90s.

Como todo buen trabajo de fotografía, el del profesor Settles me generó muchas preguntas, así que me decidí a realizarle una entrevista vía email, en la que él muy gentilmente acepto participar:

Pregunta Puede describir qué es y como funciona la fotografía Schilieren?
Gary Settles La creación de imágenes Schilieren y la técnica de la sombrografía son instrumentos ópticos que nos permiten ver fenómenos que ocurren en el aire y agua transparente (incluso cristal) que en condiciones normales serian invisibles para el ojo humano. Tecnicamente, estos instrumento transforman un distribución por fases (que no podemos ver) en una distribución ampliada o imagen, que si podemos ver.

P. Cuando y porque empezó a trabajar con esta técnica fotográfica?
G. S. Durante la adolescencia, cuando estaba contruyendo un proyecto de ciencias para la escuela que necesitaba de opticas schlieren.

P. Qué ha descubierto a través de la fotografía Schlieren?
G. S. Responder a eso requeriría una larga lista. Mis estudiantes y yo hemos descubierto muchas cosas importantes a lo largo de los años utilizando esta técnica. La mayoría de estos descubrimientos han sido divulgados en nuestras publicaciones que se pueden encontrar aquí. Una de las más recientes: los francotiradores aseguraban que una bala deja un tenue rastro detrás durante su desplazamiento. A través de la técnica Schlieren descubrimos que ese rastro esta causado por la estela de turbulencias que crea la propia bala.

P. Conoce a otros científicos/fotógrafos como Harold Edgerton? Conoce su trabajo fotográfico?
G. S. Conocí al doctor Edgerton que murió en 1990. Era un gran tipo. Aún quedan otros vivos que siguen el mismo patrón como por ejemplo Andy Davidhazy del RIT (Rochester Institute of Technology).

P. Está al corriente de la escena fotográfica artística?
G. S. Necesito aprender más sobre la escena de fotografía artística actual. Miro muchas fotografías y de ahí es de donde saco las ideas.

P. Estoy especialmente interesado por la serie de 13 imágenes que se pueden ver en la web de la Science Photo Library. Pensaba en aspectos estéticos cuando preparaba las escenas o solo tenia fines científicos? 
G. S. Siempre pienso en la estética cuando capturo imágenes. A veces mis estudiantes no lo hacen y están satisfechos con cualquier vieja imagen vulgar. Tengo que entrenarles para que tomen ese hábito.

P. Esas imágenes en particular, forman parte de un proyecto en concreto o fueron realizadas independientemente?
G. S. Las imágenes que aparecen en la SPL son parte del trabajo de toda una vida realizando fotografía Schlieren. Son, de echo, las que más se venden. Si buscas “schlieren” encontrarás todas las fotografías, tanto mías como de otros autores. Si buscas "gary+settles" aparecerán una selección de mis imágenes, justamente aquellas realizadas con nuestras instalaciones Schlieren de tamaño natural.

P. Porque el personaje principal en este grupo de imágenes es siempre el mismo? Quién es él?
G. S. Mis imágenes no tienen un personaje principal. Cuando aparece alguien, normalmente soy yo o mis estudiantes. El hombre que aparece en este grupo de imágenes es mi técnico, J.D. Miller.

P. Cual fue el parámetro que siguió para decidir que situación merecía ser fotografiada?
G. S. En la mayoría de esas imágenes estoy buscando fenómenos invisibles de la vida cotidiana, como la columna termal humana, la tos, la columna de una vela etc. En la fotografía científica a la gente le gusta ver puntos de vista diferentes sobre objetos y gente corriente.

P. Conoce a fotógrafos como Jeff Wall, Sophie Calle o Cindy Sherman? Si es así, ve alguna similitud entre sus trabajos y el suyo?
G. S. No tengo una afinidad con ninguno de los tres fotógrafos que ha mencionado, aunque en cada caso alguna de sus imágenes en particular puede decirme algo. Siento una afinidad mucho mas fuerte a Andy Goldsworthy, Andy Davidhazy, Peter Steehouwer, Clark Little, Kenneth Libretcht y Michael Davison.

P. Se sentiría cómodo colgando sus fotos en las paredes de un museo de arte o galería? Si la respuesta es no, porque? Si la respuesta es si, cree que podría surgir un conflicto entre los usos artísticos y científicos de las imágenes? 
G. S. Si, la mayoría de mis imágenes podrían pasar por arte abstracto o científico. Es intencionado. Y no, no hay conflicto.

P. Alguna vez ha recibido alguna oferta para publicar o mostrar su trabajo como piezas de arte?
G. S. Mis fotos has sido publicadas en varias ocasiones en revistas más por su aspecto artístico que por su contenido técnico. Pero nunca he tenido una exposición.

P. Puedes añadir cualquier idea o mensaje.
G. S. Mi hobby es la pintura al óleo, podeis ver una galería con mis cuadros aquí. Tambíen podeis ver una galería con más fotografías técnicas aquí.

Gary Settles: Para acabar yo tengo una pregunta para ti. Cuando me jubile de la universidad una opción es dedicar mi tiempo al arte y la fotografía. Como sugieres que debería proceder? 
Respuesta: Tengo que decir que ya me gustaría saber la respuesta para esa pregunta porque así podría utilizarla yo tambien. Solo puedo recomendarte lo que creo que podría funcionar... Lo primero, lo más obvio, sigue sacando fotos o al menos haz una cosa que podría ayudar a tu carrera todos y cada uno de los días. Después, en tu caso, te sugiero que edites tu archivo fotográfico, es decir, que elijas, descartes y ordenes tus fotografías para así poder crear y establecer el conjunto de tu obra. Escribir un texto conceptualizando tu trabajo o al menos pensando en cuales son las ideas básicas que lo unen podría ayudar en esto, incluso si una vez lo tengas escrito no lo quieras hacer público. A continuación, deberías mostrar tu trabajo, hazte una página web. Busca festivales, revisiones de portfolios, concursos, revistas, webs y blogs que te gusten y donde creas que tu trabajo pueda encajar. Participa y envia tu trabajo a todos esos sitios y muéstraselo también a tus contactos más cercanos. Y para acabar ser perseverante y disfrutar siempre sacando fotos. 


I'd like to apologize to English readers for not translating the whole entry. I’m busy these days and this is a long post so I only had time to translate the introduction (you can read it below) from which I think you will be able to keep track. Future posts will continue being in English/Spanish or even only in English, so I invite you to keep on visiting blogenbruto:

Lately I’ve been thinking on the many different aspects of our society that should re-start again from zero. Our relationship with nature and how do we represent it has been the issue that interested me the most. Talking from a global point of view, I think that things started to change slowly and people began to modify some self-destructive behaviors, so I would say that at least is something that we care about. Talking from a photographic point of view, I believe that nature and photography had always been really close together and they still are, creating a relationship that is worth to consider. This post is a selection of different photographers who work related somehow to the earth, the fire, the wind or the water, the four basic elements that the Ancient Greek Civilization established. At the same time, I tried to select photographers that underline the different profiles that we can find in the photography world. That’s why in this text you would not only find well-known contemporary photographers, but also classic ones, science investigators, unfairly forgotten female photographers and amateurs. I wrote this entry as an imaginary exhibition where the relationship between nature and its photographic representation until today is analyzed.

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Llevo ya un tiempo pensando que hay muchos aspectos de nuestra sociedad contemporánea que deberían replantearse desde cero, empezando por la relación que mantenemos con la naturaleza. Los diferentes modos de afrontar nuestro vínculo y la forma de representarlo es una de las cuestiones que más me ha interesado últimamente. Hablando desde un punto de vista global, creo que poco a poco se están intentando cambiar hábitos absolutamente autodestructivos que habíamos adquirido, por lo que diría que es un problema que ha empezado a tomarse en consideración. Hablando desde un punto de vista fotográfico, creo que la fotografía y la naturaleza han guardado y guardan una relación muy estrecha que merece la pena investigar.

Con esta entrada quiero proponer a diferentes fotógrafos que se acercan de alguna manera al fuego, la tierra, el agua y el aire, los cuatro elementos establecidos en la antigua civilización griega. Además de tomar los cuatro elementos como nexo de unión, he intentado escoger a autores que demuestran los diferentes perfiles que se pueden encontrar en el mundo de la fotografía. Por eso, aunque son mayoría, no solo veréis conocidos autores contemporáneos, sino que también encontrareis clásicos,  científicos, fotógrafas injustamente olvidadas y aficionados.  Planteo este post como si fuera una exposición imaginaria en la que se analiza la representación de la naturaleza que ha generado la fotografía hasta el día de hoy.

· Fuego ·

Me parece interesante empezar con alguien que en vez de resaltar el simbolismo, la estética o el uso práctico del fuego hace justamente todo lo contrario. Ed Ruscha se autoeditó “Various small fires” en 1964, este seria su segundo libro de un total de 16 que creó hasta finales de los 70.

Como curiosidad decir que "Various small fires and milk" inspiró a
Bruce Nauman a quemar el libro y fotografíar el proceso que publicó
como libro titulado "Burning small fires" en 1969, que a su vez
inspiró a Jonathan Monk a rodar una pieza en 16mm titulada
"Small fires burning (after Ed Ruscha after Bruce Nauman)" en el 2003.

Como él mismo explica en una entrevista que le hizo el también fotógrafo, comisario y fundador de la revista Artforum John Coplans, sus libros son simples reproducciones de fotos, no busca analizar aquello que da título a sus libros, sino que simplemente lo acumula a modo de una especie de catálogo muy bien diseñado. Ruscha coloca al fuego, ese elemento primordial para el ser humano, a la altura de edificios, parkings, tarjetas de visita o vinilos que fueron algunos de los motivos fotográficos de los que se nutrieron sus libros autoproducidos entre 1962 y 1978. Su trabajo es uno de los mas importante dentro del arte Pop americano y al mismo tiempo también ha podido influenciar a aquellos fotógrafos amantes de la catalogación como pueden ser los Becher y sus estudiantes de la escuela de Dusseldorf.

Durante mi visita al festival de Les Reencontre de Arles 2011 tuve el gusto de ver las fotos de Douglas Gordon de la serie “Self-portraits as You + Me” en una interesante exposición a dúo con el pintor mallorquín Miquel Barceló. En esta serie el autor ganador de grandes premios como el Turner en 1996, quema ciertas partes de retratos de actores y actrices americanas de mitad de siglo, dejando a la vista un fondo de espejo en el que el espectador se puede ver reflejado.

Douglas Gordon ©, Self portrait
as you + me (signoret)
Douglas Gordon ©, Self portrait
as you + me (bette davis)

Douglas Gordon ©, Self portrait
as you + me (jack palace)
Douglas Gordon ©, Self portrait
as you + me (james caan)

Douglas Gordon ©, Self portrait
as you + me (steve mcqueen)

El fuego, la luz y el sol guardan una relación directa innegable y la serie Sunburn de Chris Mccaw lo demuestra.

Chris Mccaw, Sunburn #143
(Monterey Bay)
Chris Mccaw, Sunburn #164

Chris Mccaw, Sunburn #143
(Black Rock)
Chris Mccaw, Sunburn #114
Chris Mccaw, Sunburn #269
(Pacific ocean/summer solstice)
Chris Mccaw, Sunburn #190

Creo que merece la pena decir que utiliza papel fotográfico en cámaras de gran formato construidas por el mismo que expone durante larguísimos periodos de tiempo. Tan largos son esos intervalos que el papel queda solarizado y literalmente quemado por la luz del sol, creando agujeros que no dejan lugar a dudas sobre la fuerza y el poder que el sol tiene sobre todo lo que hay aquí abajo en la tierra. En el blog de Photoeye le hicieron una interesante entrevista donde el propio Mccaw explica todo el proceso.

El proyecto 1h de Christian Schink es peligrosamente parecido al de Mccaw.

Christian Schink, 2/21/2010,
7:00 – 8:00 pm, S 38°49.042‘ 
E 174°34.976‘

Christian Schink, 2/26/2010,
7:54 – 8:54 am, S 36°49.622‘ 
E 175°47.340‘

Christian Schink, 6/01/2008,
9:18 – 10:18 am, S 26°03.817‘ 
W 065°54.723‘

Christian Schink,4/05/2009,
6:48 am – 7:48 am, S 24°43.399’ 
E 015°28.310’

Christian Schink, 4/05/2009,
6:31 am – 7:31 am, S 54°48.411’
W 068°18.032’
Christian Schink, 7/14/2007–7/15/2007,
11:28 pm–0:28 am, N 69°37.661’
E 018°13.470’

Si la hipotética exposición que planteo se pudiera llevar a cabo, creo que me vería obligado a sacrificar a Schink en favor de Mccaw, no porque me guste más o menos, sino porque la relación con el fuego queda mucho más clara en su caso y el parecido más que razonable entre ambos autores haría imposible el poder mostrarlos juntos en la misma exposición. En cualquier caso, he de admitir que las imágenes de Schink me atraen más que las de su colega, ya que el proceso técnico que ha seguido para crear las imágenes queda en el aire (nunca mejor dicho), dejando espacio para que nuestra imaginación busque explicaciones y por el camino descubra sensaciones. En mi caso tuve que leer los títulos de cada imagen como por ejemplo esta: 9/17/2006, 8:45 am – 9:45am, N 78°13.370’  E 015°40.024’  y el título del proyecto en sí para entender que cada foto había necesitado de una hora de exposición y que esa barra negra, que inicialmente identifique como un especie de fluorescente, no es más que el sol totalmente sobreexpuesto. Creo que es interesante la relación de estos dos autores con otros como Michael Wesely y sus increíblemente largas (de incluso años) exposiciones o con los Black Suns de Minor White y Ansel Adams.

Para acabar con el tema del fuego y aunque puede que a alguno le parezca que esté un poco metida con calzador, quiero incluir a Barbara Morgan una fotógrafa para mi desconocida hasta hace bien poco y creo que injustamente olvidada. Además de fotografiar a la mítica bailarina y coreógrafa Martha Graham y de realizar preciosos fotomontajes influenciada por su amistad con los Moholy-Nagy, Morgan realizó una serie de imágenes titulada "Light Drawings" en las que dejaba el obturador de la cámara abierto para pintar con luz. Barbara Morgan realizó estás imágenes (de las que la publicidad de hoy en día todavía bebe) alrededor de 1940, doce años antes de fundar la revista Aperture junto al matrimonio Newhall, Berenice Abott, Minor White, Wynn Bullock y Ansel Adams.

Barbara Morgan, Spiral I
Barbara Morgan, Cadenza

Barbara Morgan, Emanation
Barbara Morgan, Pure energy
and neurotic man

Barbara Morgan,
Space Watcher
Barbara Morgan, Samadi
Barbara Morgan,
Artificial light from laboratory

· Aire ·
Cuando me puse a pensar y a buscar posible candidatos que hubiesen trabajado con la idea del aire, lo que primero decidí fue que quería evitar hablar de autores de fotografía aérea conocidos y exitosos comercialmente pero que, en mi opinión, ya no aportan nada nuevo. Buscando algún artista con un lenguaje más personal llegué a las imágenes de Andreas Gefeller, un  fotógrafo que creo sí que ha conseguido darle la vuelta de alguna manera a la fotografía realizada desde el aire.

Andreas Gefeller, Supervisions
Andreas Gefeller, Supervisions

Andreas Gefeller, Supervisions

Andreas Gefeller, Supervisions

Andreas Gefeller, Supervisions

Andreas Gefeller, Supervisions

Andreas Gefeller, Supervisions

Tampoco puedo decir que sea un completo desconocido porque ha publicado cuatro libros con la editorial Hatje Cantz y ha expuesto sus fotos en países de todo el mundo, pero en cualquier caso me parece que sus fotos aéreas digitalmente intervenidas ofrecen un nuevo punto de vista sobre un género fotográfico que lleva tiempo falto de evolución.

Peru Izeta (que sino me equivoco es el mismo que tocaba la guitarra en el mítico grupo Donostiarra Le Mans) también ha practicado la fotografía aérea pero con un proceso y una estética muy diferente.

Peru crea imágenes en las que el juego, lo aleatorio, el paisaje y el error se mezclan y dan como resultado unas preciosas fotografías de pocas pretensiones. Me gusta mucho encontrarme con gente que se lo pasa tan bien con la fotografía y que además consigue resultados tan bonitos, solo me da un poco de pena que parece que desde el 2004 no ha hecho más fotos o por lo menos no ha actualizado la web con ellas, me gustaría ver más. Por si a alguien no le ha quedado claro el proceso técnico, decir que Peru realiza sus fotos desde una cometa a la que ata una cámara con un pequeño motor de arrastre que dispara automáticamente hasta que se acaba el rollo. Y si a alguien le interesa investigar más a fondo, hay todo un mundo online entorno a la foto aérea con cometa, con su historia, sus tutoriales etc.

Dando un gran salto atrás en el tiempo llegamos hasta Étienne Jules Marey, el fotógrafo que se suele nombrar después de Muybridge, a pesar de que éste reconociera la influencia que tuvo el primero en sus estudios sobre el movimiento. Marey fue un médico, investigador y fotógrafo francés que ha pasado a la historia como el inventor del revolver fotográfico y la cronofotografía entre otras muchas cosas. En este caso me quiero centrar en otro de sus trabajos, que es menos conocido pero que siempre me ha fascinado: sus investigaciones sobre la aerodinámica.

© Cinematheque
© Cinematheque
© Cinematheque

© Cinematheque

© Cinematheque
© Cinematheque
Dedicó tres años de su vida a este trabajo, un tiempo durante el que inventó una de las primeras versiones de lo que hoy llamamos un túnel de viento y realizó estas increíbles fotografías allá por 1899. El valor de estas imágenes en cuanto a lo que supusieron para la aeronáutica ha sido ampliamente reconocido pero, sorprendentemente para mi, su valor estético no lo ha sido tanto. El Musée de Orsay le dedicó una exposición en el 2004 en el que se pudieron ver todas estas imágenes.

Está es la máquina que
Marey construyó para
realizar las fotografías
Una cuadrícula con varias de las fotos de Marey

· Tierra  ·

En este capítulo dedicado a la tierra, he evitado deliberadamente a los grandes paisajistas como los incluidos en la mítica exposición "New Topographics" con la intención de acercarme más a aquellos que se podrían asociar al land-art o la acción fotográfica. Y aunque ya hablé de él en el primer post de este blog, no me importa volver a mostrar las imágenes de Abelardo Morell en las que utilizando una cámara oscura portátil, hace fotografías de paisajes que se proyectan sobre la tierra de ese mismo paisaje. Me sigue pareciendo un trabajo interesantísimo y una de las maneras más intensas que me he encontrado hasta ahora de intentar captar un lugar en su totalidad. Me gusta la idea de que la tierra sea el lienzo sobre el que se dibuja el propio paisaje.

De Albert Gusi podía haber incluido muchas de sus “acciones fotógráficas” en casi cada uno de los elementos de ésta hipotética exposición. He tenido que descartar proyectos que me gustan mucho como “Simulació d’una fumarola al volcá Montsacopa d’Olot” o “Alcan els cims" entre otros, porque creo que “Línia fotogràfica travessant els límits comarcals del Berguedà  i el Ripollès” es el proyecto que mejor funciona en este caso por su contacto directo con la tierra. Me he permitido unir varias imágenes que originalmente se presentan por separado para facilitar la compresión del trabajo, en la web de Albert podeis ver el proyecto al completo.

Imágenes del límite de la comarca del Berguedá

Imágenes de la frontera entre el Berguedá (las 2 de la izquierda)
y el Ripollés (las 2 de la derecha)

Imágenes del límite de la comarca del Ripollés

Los de Gusi son fotogramas que a la luz del día analizan la superficie del campo y lo que allí crece, mostrando con fina ironía que no entienden de fronteras comarcales.

Stephen Gill también puso en contacto directo a la tierra con el material fotográfico, aunque en su caso fue un poco más allá, ya que directamente enterró las copias bajo tierra.

Su proyecto "Burried" vio la luz también en forma de libro de artista de edición limitada que autoeditó en su editorial Nobody’s Books, en la que la portada da la sensación de haber sido ensuciada a mano con el lodo de Hackney Wick, la zona donde Gill realizó y enterró las polaroids que conforman el proyecto. La publicación ahora agotada se vendia por 200 libras incluyendo una copia C-Print para que la enterrases tú mismo.

· Agua ·

Siguiendo el hilo abierto por Gusi y Gill, pero pasando al elemento del agua quiero empezar hablando de Mathew Brandt y de su serie “Lakes and Reservoirs”.

Wilma Lake CA 1, Mathew Brandt
Fall Creek Lake OR 4, Mathew Brandt
Lake Hollywood CA 3, Mathew Brandt

Lake Casitas CA 3, Mathew Brandt

Shasta Lake CA 4, Mathew Brandt
Lake Union WA 4, Mathew Brandt

El proceso de Brandt comienza fotografíando un lago, imprime las imágenes y finalmente sumerge esas impresiones durante un tiempo en agua que recogió en el propio lago fotografiado. El agua produce alteraciones impredecibles en las imágenes que pueden ir desde la abstracción hasta cierto aire más romántico e incluso retro. Mathew Brandt ya había experimentado previamente con procesos en los que el motivo real y su representación intercambian fluidos en su serie Portraits, donde llevó esa idea a puntos bastante extremos y incluso diría sospechosamente polémicos, ya que recogió y utilizó fluidos corporales que van desde lágrimas a fluidos menstruales pasando por sudor, pus o mocos como parte del contenido químico a la hora de ampliar las copias saladas de los retratados. Aquí teneis más fotos y una entrevista de hace poco.

Siguiendo con la idea de introducirse en el agua la serie “Half Awake Half Sleep” de Asako Narahashi está compuesta por paisajes acuáticos en los que la cámara se sumerge parcialmente el mar, creando algo parecido a un díptico enclaustrado en una sola imagen.

Desde que vi este proyecto por primera vez hace ya un tiempo me vino la idea de que las fotos parecen mostrar el punto de vista que una ballena o un delfín debe tener cuando saca la cabeza del agua para respirar; las fotos de un vouyeur acuático. Me encanta como contrapone el primer plano desenfocado la superficie del mar movido y el paisaje de fondo a lo lejos nítidamente enfocado, creando una sensación contradictoria entre quietud y movimiento. Es muy interesante ese enfrentamiento que crea entre el mar y el cielo, la tierra, la arquitectura, el ser humano etc.

El siguiente autor japonés que os presento se llama Syoin Kajii con su trabajo titulado “Nami" (ola en español). Kaijii es un fotógrafo autodidacta que tras viajar por diferentes países del mundo volvió a Japón a ejercer de monje (sustituyendo a su abuelo fallecido) en un templo budista cercano al mar en la isla de Sado (sé que esta frase puede sonar a historieta de humor pero es la pura verdad). En sus fotos las olas parecen esculturas de líquido solidificado. Es capaz de congelar e incluso descontextualizar por medio de cielos de tonos neutros los instantes más violentos e impredecibles del mar, permitiéndonos ver así aquello que nuestros ojos son incapaces de retener cuando presenciamos estos fenómenos en vivo. Y si por si no fuera suficiente, también hace referencia a uno de los grandes artistas del dibujo japonés.

Desde el principio tuve claro que a pesar de ser fotos que están ya muy vistas, debía incluir a Hiroshi Sugimoto en este post. La serie "Seascapes" con esas imágenes aparentemente simples y minimalistas pero al mismo tiempo tan llenas de información me provocan una sensación parecida a la que me provoca mirar el fuego en una chimenea. Puedo mirarlas durante mucho tiempo casi sin pestañear, admirando su belleza y sintiendo una especie de conexión con el mar. El mismo Sugimoto lo explica mucho mejor que yo:

“Mystery of mysteries, water and air are right there before us in the sea. Every time I view the sea, I feel a calming sense of security, as if visiting my ancestral home; I embark on a voyage of seeing” 

 North Atlantic Cape Breton
Hiroshi Sugimoto
Egean Sea Pillon
Hiroshi Sugimoto
Baltic Sea Ruegen
Hiroshi Sugimoto
Ligurian Sea Saviore
Hiroshi Sugimoto
Lake Superior Cascade
Hiroshi Sugimoto
Sea of Japan
Hiroshi Sugimoto

Y para acabar, propongo el también muy conocido proyecto “A Road Divided” de Todd Hido. Alguno pensará que la relación de estas fotos con el agua no es tan clara o directa. De todas formas he querido elegir estas fotos como final porque más que al agua, me remiten a la humedad. A esa sensación que se le queda a uno después de haber caminado bajo el xirimiri tan típico en Euskadi. 

Supongo que esos paisajes a través de cristales mojados me recuerdan a mi infancia y a los viajes sentado en la parte de atrás del coche de mis padres mientras llovía. Pero en vez de transmitirme frío o desolación, identifico estos paisajes con la sensación que se le queda a uno cuando la tormenta a amainado, cuando nos hemos cambiado la ropa mojada por otra seca y miramos como ha quedado todo a través de la ventana. Por eso me parece que estas fotos funcionan como final para esta exposición ficticia, porque después de haber visto fotos vinculadas al  fuego, la tierra, el aire y finalmente el agua, “A Road Divided” me habla de aquello que queda después.