Cristina de Middel interview- Entrevista a Cristina de Middel (Have a Nice Book)

This is an interview that I did with Cristina de Middel for Have a Nice Book. I want to congratulate both Salva López and Yosigo for the great website (and really useful for photography teachers as me) that they are running, and also Cristina for totally deserved recognition that her work is getting. It is a real pleasure for me to be in touch with people like them.

Aprovecho esta entrevista que le hice a Cristina de Middel para Have a Nice Book para colgarla también aquí en el blog y felicitarles, a Salva López y a Yosigo por la estupenda (y muy util para los que trabajamos dando clases) iniciativa que es HANB, y a Cristina por el muy merecido reconocimiento que está recibiendo su trabajo. Es un gusto estar cerca de esta gente.

Ver entrevista en español


Cristina de Middel // The Afronauts from haveanicebook on Vimeo.


Afronauts by Cristina de Middel has been a success beyond doubt that has deserved the recognition of photobook’s world gurus such as John Gossage or Martin Parr. Recreates an eccentric space program conducted in 1964 by a Zambian junior-high school professor, that without much success, sought funding and trained a few locals and a cat to send them into space. For that matter, the book, in addition to the photographs shot by De Middel, includes facsimiles of various documents, archive photographs and beautiful illustrations hand-drawn by the author. We are talking about a publication of impeccable funding, partly thanks to the exhibitions program of La Kursala hall from the University of Cadiz and the financing for the catalogs production for these exhibitions, and on the other hand, to the economical investment by the author herself. The book has been selected as one of the best twenty “First Photobook” from the awards called out by ParisPhoto/Aperture and everything points that it will be listed in the “best books of the year” lists as well. This very week, thanks to this work, Cristina has been nominated to the prestigious Deutsche Börse Prize 2013 among other innovating featured photographers such as Mishka Henner, Adam Broomberg & Oliver Chanarin and Chris Killip.


What was the starting point since you came up with the project, what were the different stages and how long did you take to finish it?
The first Photo session for The Afronauts was in January 2011 and the book was printed in may 2012. That’s 17 months from the original idea to the final result. I have to say that everything happened in a very natural way because the chance to build the book (the excuse for doing it) came when I was starting to feel that I was almost done with the images. I knew that I wanted to tell the story with a book because I needed to insert many peripheral documents in charge of the veracity load of the story, and this possibility just appeared with the Kursala. It gave me a deadline and I work much better under pressure. With the book conception began a new a completely different phase of the Project. Laia Abril, Ramon Pez and I became a crazy and playful working team for 4 months until we were all satisfied with the result. Probably the most enriching experience I’ve had as a professional so far.


What would you say were the highlights in this process, both for the good and for the bad?
Well, for me, the most impressive moment was when I saw the first mock up. Laia and Ramon are still laughing about it because I was very impressed and it was just the pictures put together in a PDF with the sizes we had decided. Just the basic document in which we were going to start working, but for me it was already amazing! It meant the materialization of a project that I had just imagined until then and I could realize the potential it had as a book.

Then came many decisions that broke a lot of boundaries we had regarding what’s to be expected from a photo book. The drawings in black and white, the design of the cover without any information on it (not even my name or the title) and also the solution that Laia found with a double page spread that unfolds. It was a very strong image, almost iconic of the whole project, but in terms of sequence it was very hard to include it.

Then I guess the hardest part has been to organize the workflow between us. I was in London, Laia in Barcelona and Ramon in Italy and the three of us very busy with other projects so it meant a big effort, extra hours and late night skype meetings. At the end we were all exhausted and that is something we should try to control in the next project.


When did you decide that it should be a book and how did that affect to the development of the project and the final result?
I knew that I needed a book since the beginning. It was the only way I could include all the documents that for me are as important as the images. What I didn’t know is when this was going to happen, so when Kursala knocked my door, my production speeded up. I organized everything in order to make as many images as I could before the end of the year, which was the date in which Laia, and Ramon started to be more “available”.



I suppose that you’ve heard or read more than one saying that Afronauts is a project that gains a lot as a book. Do you agree with this affirmation?
I couldn’t agree more. The complete project, as I told before, was conceived as a book from the beginning: It needed a book. What happened is that I started showing the images as a series before because I needed to find funding. I submitted “The Afronauts” as a series of 20 images to many contests and it went out pretty well. In that sense it is a strategy that I may repeat in the future. I don’t mind to share my projects at different stages of production.

Regarding the production of the book, the art direction is done by Ramon Pez and Laia Abril, and the edition was also been done by Laia. Can you explain how did you develop the book, and what hierarchy was set among you for making decisions? What influence do you think it had the fact that the three of you are good friends for the production of the book?
I wouldn’t use hierarchy to refer to the relationship we built during this period. I think everything went out well because we respected each other’s areas but at the same time we felt free to give our opinion or make suggestions amongst us. I think we were all very flexible and it became like a game because everything was possible. We were not scared to propose crazy ideas and the results that were coming out were so exciting that I think that we might maintain that philosophy for the next project.


When you have to put Afronauts hanging in the wall, how do you propose the exhibition? Does it include the facsimiles of the documents included in the book and/or other items?
Yes, definitely. These days I am designing the exhibition at La New Gallery that will open at the end of November. There are as many enlarged documents as images from the series. My priority, as with the book, is to make the story understood and I need to include all these documents to be successful. The solutions we found when doing the book are being very helpful in this process…it is just a translation from 2 dimensions to 3 dimensions. Funny.


It’s inevitable the relationship between this work with some of the projects by Joan Fontcuberta, to what extent you believe that the shadow of this reference is present? And if so, do you feel it positive, negative or both?
Thank you for asking me that ;-)

I know. It’s impossible not to make the relation but I have to say that there is no conscious or formal intention on that. I arrived to that “field” of photography that plays with the audience as a reaction to my years as a photojournalist and because it was something I needed to do: breaking the binomial photographic-document. I think Fontcuberta started that same path long ago, maybe as a reaction from his advertising background… Could be. I think we both have things to say on how the published image is consumed. In any case I believe he is one of the most interesting creators we have nowadays and any inspiration or referent coming from him could only be positive….and the comparison really flattering, actually.


Although the whole project is based upon a true story, the endearing and funny aspects of the book makes me wonder if some Africans, (or Zambians in this case) would feel wounded on their identity precisely because of that somewhat stereotypical view that us from Occident have about the Third World. Have you encountered, or do you think you'll get that complaint? And if so, what would be your reaction before it?
This is something I’ve always been very careful with. This project is mainly about the prejudices that we (the first world) have towards Africa as a result of the image that media have been conveying for years. I wanted to raise the debate and in order to do that; I needed to give a very different image of Africa or an extremely exaggerated one. It could not be the standard way of telling stories coming from there. I created a dreamy imagery but always asking the models to behave seriously, because the Zambians that were training to go to the moon believed this could be done. I needed to approach this story from their point of view pointing on their effort, passion and commitment and not judging.

I received a lot of emails from African people and all of them sharing a very positive feedback. I was even contacted by people from the Nigerian Space Program that loved the series.

Still, when the story has been published in some digital editions of newspapers that just focus on how funny the idea of Africans in the moon sound, I have read comments that are not very easy to digest…but at least the debate is served in the forums which is what I wanted from the beginning.



As a result of the project´s good acceptance in different contests and calls, you’ve been practically around the world until the last summer. The book’s success has been demonstrated with the big welcome in the anglo-saxon world, which is nowadays the one who dictates the guidelines in the little niche of photographic books. I have the feeling that Europe usually likes more conceptual cutting jobs, while in America they feel more attracted to formal aspects. We only have to take a look at different books about dutch or swiss books (not to mention the latinamerican ones) that had been published lately and compare those reference books with the considered “best books of history” by America. Have you noticed this difference in regard to Afronauts acceptance in different countries? Do you think that the book is or will be better welcomed in the USA than in Europe?
Honestly, I haven’t found the time to analyze what happened exactly with the selling of the book and where it has been more successful. Yet, I am sure that I’ve sold more books in Europe than in the US so I don’t think I agree with what you say in my case. But then I would have to decide if my book is more conceptual or more formal, which I am not sure I can decide. The truth is that I think the photobook community has overcome old clichés concerning what is a “popular” photobook and I don’t believe the idea of the “more conceptual Europe” and the “more superficial America” is valid anymore. But that’s my opinion and I am not as passionate for photobooks as you are ;-)

Regarding Spain, how was the acceptance and what are the trends around here?
In Spain, it’s been weird. At the beginning nobody seemed to support neither the project nor the book because it was maybe hard to understand (is it conceptual then?) but then when it was given some recognition abroad the interest rose.

Regarding the trends I think there is not a strong line that people just follow. I believe photographers are being very honest with what they have to say to the world: no matter if it is a personal and intimate project or a strong opinion on the terrible situation the country is facing. I would not say there is a Spanish School of Photobooks now…we’re just learning and experimenting. A lot!


Continuing with the photography book’s publication in Spain, the vast majority of which we are around the photography books here, are very happy and proud to see that finally the works of the local artists succeeds beyond our borders, as in your case or Eloi Gimeno´s Helsinki, Julián Barón´s CENSURA or Ricardo Cases´s Paloma al Aire. What would you think is the reason for this sudden boom in Spain, and if you think it´ll continue?
I think this is the direct consequence of the changes in the editorial market and how easy it is, with Internet, to promote and sell your book. Also the fact that Spanish books are now internationally considered is because some years ago, Spanish Photography took a step forward and a new generation of photographers, more aware of what‘s happening outside of our borders, arrived with a lot of energy. First it came with very interesting projects, new and very interesting approaches, then naturally, the books arrived.

Now, the next step would be to get some support from Spanish institutions (that keep on focusing on the previous generation) instead of having to export these amazing results to other countries. But, sadly, it doesn’t look like this is going to happen anytime soon.


Despite that in Spain the change is more noticeable because we’ve been through from nothing, to have at least one book among the best books in the last two years, it is unquestionable that this raising tendency is global. Before publishing the book, Did you follow closely that boom of worldwide publications? Do you do it now? What opinion deserves and what future can you foretell?
The truth is that I always try to keep a distance from what is being done. I don’t need to see other photobooks…I even prefer not to see any at all, especially when I am working on something because I have the feeling that I get contaminated :-) Other books are other’s solutions to given problems…I prefer to be given problems in terms of creativity and then find my own solution. That doesn’t mean I don’t have my small collection of photobooks, but I have them more as objects rather than books. So I contribute to this frantic rise of the popularity of the photobook and I am very happy about it, but I may be living it in a different way.

And for the future: I think this has just started! There are so many things to re-consider and play with, that the photobook may become one of the most active fields of creativity research in photography…together with interactive design.



If we compare this project with your past works, despite some of them had been already a book, I would say that your way of thinking and practicing photography is a 360 degrees turn, how did you come to that change and what are your conclusions?
Until “The Afronauts” (even before, until “Life and miracles of Paula P.” and “Polyspam”) I had a strong respect for the photographic image and the truth that it conveyed. I was a photojournalist and I needed to believe in that unbreakable link. But I think I suffered negatively from the effects of the Paulov experiment.

When you make an effort (and I was doing much) you need results, and as a photojournalist the expected results were some sort of improvement of the world we live in. When I could understand the structure of the media I realized that this was never going to happen and I decided to take my personal and therapeutic revenge. I stated deliberately breaking the rules of veracity and consistency and I ended up staging pictures of a Zambian Space Program in my hometown.

This process has been by far the most significant step forward in my commitment with photography because I feel now completely comfortable with what I say…I do no longer have to pretend that my work is important for any reason, it’s just necessary and inevitable….for me.


Do you believe you'll keep on that path in future projects? Do you already have one in progress?
Yes, even if I keep doing commercial and editorial assignments these are only tools to fund new projects that follow that path. I am working together with Laia Abril on a new project that will result in a book also designed by Ramon Pez.

I cannot tell you more, because it’s a secret ;-) but it’s ten times more exciting than “The Afronauts” and a big challenge for both of us because we are producing the images together and we are very different photographers. Again, lots of learning for me.


At this point, is there anything you’d change or make corrections in the project in general or the book in particular?
Not yet. Maybe the deadlines…I would have pushed them a little bit back in order to be more relaxed when designing the book.


What’s the most rewarding thing the book gave to you so far?
The chance to meet A LOT of interesting people more or less related to the photo world and also, and in a more personal level, the conviction that if you are honest and work hard you get good results.

Translator: Gustavo Adachi



El libro Afronautas de Cristina de Middel ha sido todo un éxito incuestionable que ha merecido las felicitaciones de los gurús del mundo del fotolibro, como son John Gossage o Martin Parr. Recrea un excéntrico programa espacial dirigido en 1964 por un profesor de secundaria zambiano, que sin demasiado éxito, buscó financiación y entrenó a unos cuantos lugareños y a un gato para mandarlos al espacio. Para ello el libro incluye, además de las fotografías realizadas por De Middel, supuestos facsímiles de diferentes documentos, fotografías de archivo y preciosos dibujos realizados por la autora. Se trata de una publicación de una factura impecable, financiado en parte gracias al programa de exposiciones de la sala Kursala de la Universidad de Cádiz y al dinero que destinan a la producción de catálogos para dichas exposiciones. Y por otro lado, a la inversión económica de la propia autora. El libro ha sido seleccionado como uno de los veinte Mejores Primeros Libros del premio que convocan Paris Photo y Aperture y todo apunta a que también estará en las listas de los mejores libros del año. Esta misma semana, gracias a este trabajo, Cristina ha sido nominada para el prestigioso Deutsche Börse Prize 2013 junto a otros destacados innovadores fotógrafos como son Mishka Henner, Adam Broomberg & Oliver Chanarin y Chris Killip.

¿Cual fue el punto de partida desde el que surgió el proyecto, cuales fueron las diferentes fases y cuanto tiempo te llevó acabarlo?
La primera sesión de fotos para Los Afronautas fue en enero del 2011 y el libro se imprimió en mayo del 2012. Eso son diecisiete meses desde la idea original hasta el resultado final. Tengo que decir que todo sucedió de manera natural porque la oportunidad de hacer el libro (la excusa para hacerlo) llegó cuando yo empezaba a sentir que ya casi había acabado con las imágenes. Sabía que quería contar la historia en forma de libro porque necesitaba incluir muchos documentos periféricos para reforzar la carga verídica de la historia, y esa oportunidad surgió con la Kursala. Estableció una fecha límite y yo trabajo mucho mejor bajo presión. Con la concepción del libro empezó una fase del proyecto completamente nueva y diferente. Laia Abril, Ramón Pez y yo nos transformamos en un equipo de trabajo loco y divertido durante cuatro meses hasta que todos estuvimos satisfechos con el resultado. Probablemente fue la experiencia profesional más enriquecedora que he vivido como profesional hasta ahora.


¿Cuáles dirías que fueron los puntos álgidos de ese proceso, tanto para bien como para mal?
Para mi el momento más emocionante fue cuando vi la primera maqueta. Laia y Ramón todavía se ríen de aquello porque yo estaba muy impresionada y solo eran las fotos puestas en un PDF a los tamaños que habíamos decidido. Era solo el documento básico sobre el que íbamos a empezar a trabajar, pero para mi eso ya era increíble! Significaba la materialización de un proyecto que yo solo había podido imaginar hasta entonces y ahí empecé a entender el potencial que tenía como libro.

Entonces llegaron muchas decisiones que rompieron los límites que teníamos en cuanto a qué es lo se espera de un libro de fotografía. Los dibujos en blanco y negro, el diseño de la portada sin ningún tipo de información (ni mi nombre, ni el título) y la solución que encontró Laia con el desplegable a doble página. Esa era una imagen muy potente, casi funciona como el icono de todo el proyecto, pero en cuanto a la secuenciación resultaba muy complicado incluirla.

Supongo que lo más difícil ha sido organizar el proceso de trabajo entre nosotros. Yo estaba en Londres, Laia en Barcelona y Ramón en Italia y los tres estábamos muy ocupados con otros proyectos por lo que supuso un gran esfuerzo, horas extra y encuentros nocturnos por Skype. Al final los tres estábamos exhaustos, eso es algo que debemos intentar controlar en el próximo proyecto.


¿Cuándo tomaste la decisión de que debía ser un libro y de qué manera afectó eso al desarrollo del trabajo y al resultado final?
Supe que necesitaba un libro desde el principio. Era la única manera en la que yo podía incluir todos los documentos que para mi son tan importantes como las imágenes. Lo que no sabía era cuando eso iba a suceder, así que cuando Kursala tocó mi puerta la producción se aceleró. Organicé todo para hacer el máximo posible de imágenes antes de fin de año, que era la fecha en la que Laia y Ramón iban a estar más “disponibles”.


Supongo que ya has leído o escuchado a más de uno decir que Afronautas es un proyecto que gana en libro ¿estás de acuerdo con esa afirmación?
No puedo estar más de acuerdo. Todo el proyecto, como decía antes, fue concebido como un libro desde el principio: necesitaba un libro. Lo que pasó es que empecé a enseñar las imágenes antes porque necesitaba financiación. Envié “Los Afronautas” como una serie de veinte imágenes a muchas convocatorias y funcionó bastante bien. En ese sentido es una estrategia que puede que repita en el futuro. No me importa compartir mis proyectos en las diferentes fases de producción.


En la realización del libro la dirección de arte corre a cargo de Ramón Pez y Laia Abril, y la edición la ha llevado también Laia. ¿Puedes explicar como desarrollasteis el libro y que jerarquías tenías establecidas entre vosotros para la toma de decisiones? ¿Qué influencia crees que ha tenido el hecho de los tres seáis muy amigos para la realización del libro?
No utilizaría la palabra jerarquía para referirme a la relación que construimos durante ese periodo. Creo que todo fue muy bien porque cada uno respetó el espacio de los demás pero al mismo tiempo podíamos dar nuestra opinión o hacer sugerencias. Creo que todos fuimos muy flexibles y se convirtió en algo parecido a un juego, porque todo era posible. No nos asustaba proponer ideas descabelladas y los resultados que obtuvimos fueron tan emocionantes que creo que mantendremos esa filosofía para el próximo proyecto.


A la hora de pasar los Afronautas a la pared ¿Como se plantea la exposición? ¿Incluye los facsímiles de documentos que podemos encontrar en el libro o otros objetos?
Sí, sin lugar a dudas. Ahora estoy diseñando la exposición para La New Gallery que se inaugurará a finales de noviembre. Habrá tantos documentos ampliados como fotografías de la serie. Mi prioridad, tal y como sucede en el libro, es que la historia se comprenda y necesito incluir todos esos documentos para lograrlo. Las soluciones que encontramos mientras hacíamos el libro están siendo de mucha ayuda con el proceso... es una translación desde las dos a las tres dimensiones. Es divertido.



Es inevitable la relación de este trabajo con algunos de los proyectos de Joan Fontcuberta, ¿hasta que punto crees que la sombra de esa referencia está presente? Y en tal caso ¿la sientes como positiva y/o negativa?
Gracias por hacerme esta pregunta ;-)

Lo sé. Es imposible no hacer la relación pero tengo que decir que no hay una decisión consciente o formal en ello. Llegué a ese “campo” de la fotografía que juega con la audiencia como una reacción a mis años como fotoperiodista y porque era algo que necesitaba hacer: romper el binomio fotografía-documento. Creo que Fontcuberta emprendió ese camino hace mucho tiempo, quizás reaccionando desde su experiencia en la publicidad... Puede ser. Creo que ambos tenemos cosas que decir sobre como la imagen publicada se consume. En cualquier caso creo que él es uno de los creadores más interesantes que hay hoy en día y cualquier inspiración o referentes que vengan de él solo pueden ser positivos....esa comparación es todo un halago para mi en realidad.


A pesar de que todo el proyecto parte de una historia verídica, el punto entrañable y cómico que tiene el libro me hace preguntarme si algún africano, o zambiano en este caso, se sentirá herido en su identidad justamente por esa visión hasta cierto punto estereotípica que desde occidente aplicamos hacia el tercer mundo. ¿Te has encontrado o crees que te encontrarás con esa queja y en tal caso, cual sería tu reacción ante ella?
Esto es algo con lo que siempre he sido muy cuidadosa. Este proyecto trata fundamentalmente sobre los prejuicios que nosotros (el primer mudo) tenemos sobre África como resultado de una imagen que los medios de comunicación han estado transmitiendo durante años. Yo quería dar protagonismo al debate y con esa intención, necesitaba dar una imagen muy diferente de África o una extremadamente exagerada. No podía ser la manera habitual que tenemos de contar las cosas viniendo de ahí. Creé una imaginería de fantasía pero siempre pidiendo a los modelos que se comportarán con seriedad, porque los zambianos que se estuvieron entrenando para ir a la luna creían que aquello era posible. Necesitaba encarar esta historia desde su punto de vista en el esfuerzo, la pasión y el compromiso y sin prejuicios.

He recibido mucho emails de africanos y todo ellos compartían conmigo reacciones muy positivas. Incluso me contactaron desde el Programa Espacial Nigeriano diciendo que les encantaba la serie.

A pesar de eso, cuando la historia se ha publicado en algunas ediciones digitales de periódicos que solo se centraban en qué divertida suena la idea de que Africanos vayan a la luna, la verdad es que me ha tocado leer comentarios que no son fáciles de digerir...pero por lo menos el debate está servido en los foros, cosa que yo buscaba desde el principio.


A raíz de la buena aceptación del proyecto en diferentes concursos y convocatorias, estuviste dando prácticamente la vuelta al mundo hasta el verano pasado. El éxito del libro ha quedado patente con la gran acogida que ha tenido en el mundo anglosajón, que es el que hoy en día dicta las pautas a seguir en el pequeño nicho de los libros de fotografía. Tengo la sensación que en Europa generalmente gustan trabajos de corte más conceptual, mientras que desde EEUU se suelen sentir más atraídos por los aspectos formales. No hay más que echar un vistazo a los diferentes libros sobre libros holandeses o suizos (y no digamos ya los latinoamericanos) que han salido últimamente y comparar esas publicaciones de referencia, con los considerados “mejores libros de la historia” americanos. ¿Has notado esa diferencia en relación a la aceptación de Afronautas en diferentes países?¿Crees que el libro ha tenido o tendrá mejor aceptación en EEUU que en Europa?
Sinceramente, no he tenido tiempo para analizar que ha pasado exactamente con las ventas del libro y donde ha funcionado mejor. En cualquier caso, estoy segura de que he vendido más libros en Europa que en EEUU, así que creo que no estoy de acuerdo con lo que dices en mi caso. Pero entonces debería decidir si mi libro es más conceptual o más formal, cosa que creo que yo no puedo hacer. La verdad es que yo creo que la comunidad del libro de fotografía ha superado viejos clichés en cuanto qué es un libro “popular” y no creo que la idea de una “más conceptual Europa” frente a una “más superficial EEUU” siga siendo válida. Pero esa es mi opinión y yo no soy tan apasionada de los libros de fotografía como tú ;-)


¿Y en relación a España, como ha sido la acogida y cuales crees que son las tendencias aquí?
En España ha sido raro. Al principio nadie parecía apoyar ni el proyecto ni el libro porque quizás era muy difícil de entender (es conceptual entonces?), pero cuando tuvo algo de reconocimiento en el extranjero el interés creció.

En cuanto a las tendencia no creo que haya una línea clara que siga la gente. Yo creo que los fotógrafos están siendo muy honestos con lo que quieren decir al mundo: da igual si se trata de un proyecto personal e íntimo o una opinión enérgica sobre la terrible situación a la que se está enfrentando el país. No diría que existe una Escuela Española de Libros de Fotografía hoy en día...simplemente estamos aprendiendo y experimentando. Mucho!



Siguiendo con la publicación de libros de fotografía en España, la gran mayoría de los que estamos alrededor de los libros de fotografía aquí estamos muy contentos y orgullosos al ver que por fin el trabajo de gente de aquí triunfa fuera de nuestras fronteras, como es tu caso o el de Eloi Gimeno con Hellsinki, Julián Barón con CENSURA o Ricardo Cases con Paloma al aire. ¿A que crees que se debe este súbito auge en España?¿Crees que tendrá continuidad?
Creo es la consecuencia directa de los cambios en el mercado editorial y lo fácil que es con Internet publicitar tu trabajo y vender tu libro. El hecho de que ahora los libros españoles sean internacionalmente reconocidos es porque hace unos años la fotografía española dio un paso adelante y una nueva generación de fotógrafos, mucho más atentos a lo que estaba pasando fuera de nuestras fronteras, llegaron con mucha energía. Primero llegaron proyectos muy interesantes, con puntos de vista nuevos y muy interesantes, después, como es normal, llegaron los libros. Ahora, el próximo paso debería ser conseguir apoyo de las instituciones españolas (que continúan enfocándose en las generaciones anteriores) en vez de tener que exportar estos increíbles resultados a otros países. Pero lamentablemente no parece que eso vaya a suceder a corto plazo.


A pesar de que en España el cambio es más notable porque hemos pasado de la nada, a tener al menos un libro entre los diez mejores en los dos últimos años, es indiscutible que esa tendencia al alza es global. ¿Antes de publicar el libro seguías de cerca ese auge de publicaciones mundial? ¿Lo haces ahora? ¿Qué opinión te merece y que futuro le pronosticas?
La verdad es que yo siempre trato de mantener una distancia con lo que se está haciendo. No necesito ver otros libros de fotografía... Incluso prefiero no ver ninguno en absoluto, especialmente cuando estoy trabajando en algo porque tengo la sensación de que me puedo contaminar :-) Los libros que hacen otros, dan otras soluciones a ciertos problemas... Prefiero que sean problemas en términos de creatividad a los que después yo buscaré mi propia solución. Eso no quiere decir que yo no tenga mi pequeña colección de libros de fotografía, pero los tengo más como objetos que como libros. Así que yo contribuyo a este frenético auge de la popularidad de los libros de fotografía y esto muy contenta con ello, pero quizás lo vivo de una manera diferente.

Y en cuanto al futuro: yo creo que esto solo acaba de empezar! Hay muchas cosas a reconsiderar y con las que jugar que creo que el libro de fotografía se puede convertir en uno de los campos más activos en la búsqueda de la creatividad en la fotografía...junto al diseño interactivo.


Si comparamos este proyecto con tus trabajos anteriores, a pesar de que alguno ya había sido libro, yo diría que has dado un giro de casi 360 grados en tu forma de entender y practicar la fotografía, ¿de donde surge ese cambio y a que conclusiones has llegado?
Hasta “Los Afronautas” (o incluso antes, hasta “Vida y milagros de Paula P.” y “Polyspam”) tenía un respeto muy fuerte por la imagen fotográfica y la verdad representaba. Yo era fotoperiodista y necesitaba creer en ese vínculo inquebrantable. Pero creo que sufrí de manera negativa los efectos del experimento Paulov.

Cuando haces un esfuerzo (y yo lo estaba haciendo con ahínco) necesitas resultados, y como fotoperiodista los resultados esperados se basaban en conseguir algún tipo de mejora en el mundo en el que vivimos. Cuando pude entender la estructura de los medios de comunicación, comprendí que eso nunca iba a suceder y decidí llevar a cabo mi propia venganza terapéutica. Rompí deliberadamente las leyes de la veracidad y la coherencia y acabé escenificando imágenes del Programa Espacial de Zambia en mi propia ciudad. Ese proceso ha significado el paso adelante más importante en el mi compromiso con la fotografía porque ahora me siento totalmente convencida con lo que digo...Ya no tengo que pretender que mi trabajo es importante por lo que sea, es simplemente necesario e inevitable...para mi.


¿Crees que seguirás por ese camino en proyectos futuros?¿Tienes alguno ya en proceso?
Si, aunque continuo haciendo encargos comerciales y editoriales, solo son herramientas que utilizo para financiar nuevos proyectos que siguen ese camino. Estoy trabajando con Laia Abril en un nuevo proyecto que acabará siendo un libro, también diseñado por Ramón Pez.
No te puedo decir más porque es un secreto ;-) pero es diez veces más emocionante que “Los Afronautas” y un gran reto para las dos porque estamos produciendo imágenes juntas y somos fotógrafas muy diferentes. Estoy aprendiendo mucho, otra vez.


¿A día de hoy hay algo que corregirías o cambiarías del proyecto en general o del libro en particular?
Aún no. Quizás las fechas de entrega...Las hubiera llevado un poco más atrás para poder haber diseñado el libro de forma más relajada.


¿Qué es lo más gratificante que te ha dado el libro?
La oportunidad de conocer A MUCHÍSIMA gente interesante más o menos relacionada con el mundo fotográfico y, a un nivel más personal, la convicción de que si eres honesto y trabajas duro, conseguirás buenos resultados.


Traductor: Gustavo Adachi

Los Espabilados

Llevo desde antes del verano pasado con un tema rondándome por la cabeza a raíz de varias conversaciones que he tenido con unos cuantos amigos/fotógrafos. Así que no me queda otra que escribirlo para intentar definir mi postura al respecto. He de comenzar diciendo que al sentirme de alguna manera parte de lo que voy a hablar, seguramente no tendré un punto de vista del todo objetivo. Pero en cualquier caso esto es un blog de reflexión y opinión, así que supongo que ya era de esperar...

Hace ya tiempo que creo, y no soy el único, que la fotografía en España está experimentando un crecimiento y un desarrollo nunca antes visto. Ese florecimiento se está dando especialmente en las nuevas generaciones de autores de las que me siento orgullosamente parte, a pesar de que, como decía al principio, pueda alterar mi punto de vista sobre todo el asunto. Una de las principales razones que solemos esgrimir a la hora de explicar el porqué de esa explosión es Internet y la posibilidad de interactuar y el acceso a información que ofrece. Pero creo que no se trata tanto de la capacidad de compartir esa información, sino de la actitud con la que aprovechamos esa posibilidad. Los colectivos, talleres, festivales, revistas, webs etc. se crean y funcionan no sólo porque Internet nos lo ha permitido, sino porque nosotros hemos sabido aprovechar esa oportunidad. Al mismo tiempo la sensación de que la organización de la industria de la fotografía está anquilosada, las mínimas oportunidades que se ofrecen a los recién llegados y el inmovilismo que eso ha generado tampoco nos dejaba mucho más espacio que éste, la red, para poder mostrarnos, comunicarnos y organizarnos.

Para acotar de alguna manera esa nueva generación, diría que va desde los que hoy son estudiantes de fotografía hasta algunos de los ya consagrados que no tienen complejos a la hora de estar atentos y absorber lo que viene. El manual dice que para poder proclamar la existencia de una nueva generación, es inevitable la ruptura con la anterior. Intentaré no expandirme demasiado en esto pero creo que es importante hacer aquí un alto en el camino para intentar entender qué es lo que ha fallado hasta ahora en los diferentes cambios generacionales que se han vivido en el mundo de la fotografía en España para que este fenómeno no sucediese antes. Para ello recomiendo la lectura de un libro y un catálogo, ambas publicaciones que me llegaron recomendadas por Paco Navamuel, a quién se lo agradezco. Por un lado está “CT o la Cultura de la Transición”, un interesante ensayo pro 15M que critica la gestión de la cultura desde la transición hasta nuestros días y cómo los nuevos movimientos sociales y el impacto de la nuevas tecnologías y métodos de comunicación están cambiando esa gestión – y además la foto de portada del libro es de Txema Salvans. El libro está directamente conectado con lo que comentaba antes sobre aprovechar lo que nos ha ofrecido Internet y además toma como base una idea muy clarificadora a la hora de entender el inmovilismo en el que ha estado metida hasta hace bien poco la cultura en este país. Resumiendo demasiado, los diferentes autores del libro esgrimen que forzados por el obligado olvido y perdón de los horrores de la guerra civil sobre los que se construyó la transición, desde entonces se creó, ensalzó y defendió contra viento y marea a aquellos actores de la cultura que menos incordiaban al nuevo equilibrio político bipartidista instaurado. Y no sólo eso, con tal de que todos estuviésemos unidos y ante el temor de que cualquier crítica pudiese alimentar que sucesos como el intento de golpe de estado del 23F volviesen a suceder, se redefinió el término “cultura” en función de los intereses que defendían – y aún defienden – esos partidos y poderes económicos para no desestabilizar el precario equilibrio. Eso permitió que ciertos autores arropados por esos poderes políticos y económicos fueran ensalzados y protegidos hasta puntos en los que cualquier otra propuesta – y ojo no que no hablo sólo de posturas ideológicas, también hablo de estéticas – no tuviera cabida. El ejemplo más claro y obsceno en cuanto a la protección política de la industria cultural se refiere lo protagonizó la SGAE, cuyo final gracias a la presión y las denuncias lanzadas desde la red, todos conocemos. Siendo como soy un euskaldun establecido durante varios años en Barcelona, he de decir que esta “Cultura de la Transición” también la han instaurado los partidos nacionalistas tanto catalanes como vascos, tirando cada uno para su tierra en cada caso, como no podía ser de otra manera.

Portada del libro con la foto de Txema Salvans

Centrándonos ya en el ámbito fotográfico – esta es la segunda publicación recomendada por Paco y sobre la que ayer publicó el primero de cuatro artículos en su blog A Sangre que recomiendo leer –, si queremos atisbar que ha pasado en la escena fotográfica de los últimos 40 años y cuál ha sido la relación entre los autores establecidos y los más jóvenes, encuentro muy clarificadora la transcripción de la mesa redonda moderada por Humberto Rivas en la que participaron fotógrafos, profesores, galeristas y comisarios como David Balsells, Victoria Combalia, Joan Fontcuberta, Pere Formiguera, Manel Úbeda, Fina Furiol, Daniel Giralt-Miracle y María Teresa Molina que se realizó a puerta cerrada – un error a mi juicio – con motivo de la exposición “Joves Fotografs” en Barcelona en 1986, y que aparece publicada en el catálogo de dicha muestra financiada por La Caixa de Pensions. El segundo error, garrafal en este caso aunque tampoco sé los motivos que les llevaron a plantear la charla de ese modo, es que de esos nueve nombres sólo una estaba en calidad de “jove fotograf”, teniendo que enfrentarse María Teresa Molina ella sola al resto de nombres que para aquella época ya estaban establecidos y reconocidos en el mundillo fotográfico catalán. Y cuando digo enfrentarse, muy a mi pesar, no lo digo de una manera metafórica, porque la transcripción no deja lugar a dudas. Resumiendo mucho, los establecidos echan en cara a los jóvenes el ser demasiado continuistas y poco espabilados, tal y como dice Joan Fontcuberta:

“...no estoy de acuerdo en que no se diera facilidades a los jóvenes. Los jóvenes no tienen que esperar que les lluevan las oportunidades del cielo, tienen que espabilarse como nosotros...”

A lo que María Teresa Molina responde:

“...quiero responder a Joan Fontcuberta y decirle que nosotros nos movimos muchísimo y tuvimos grandes dificultades, por ejemplo con Giralt-Miracle no hubo manera de contactar...”

Este pequeño rifirrafe sucede en el momento álgido de la mesa redonda, donde también se habla de otros temas como la educación, el acceso al mercado del arte o el continuismo de la nuevas generaciones y creo que resume en gran medida el grandísimo error en el que se ha caído una y otra vez en el mundo de la fotografía en España. Por un lado puedo aceptar que no ha habido relevo generacional de ningún tipo en los últimos 30 años, porque quizás ni siquiera ha habido una hornada con un trabajo lo suficientemente rupturista, potente y/o específico como para ser señalado. Pero a eso también le añadiría la sensación de que la frase que citaba anteriormente, y que con una brutal sinceridad suelta Fontcuberta, ha sido una idea muy extendida entre los fotógrafos consagrados en España. Y aunque no creo que sea esa la única razón para entender porque aquí se ha tardado tanto en ensanchar y diversificar el uso de la fotografía, si que creo que tiene su importancia. Me da la sensación de que a ninguno de ellos se les ocurrió que sumando a nuevos autores con diferentes puntos de vista a la escena del país se podía enriquecer – tanto temática como económicamente – el medio. Hasta ahora la fotografía española se ha vinculado a un reducido número de nombres que se han repetido invariablemente a lo largo de los últimos años. No seré yo quién discuta la importancia del trabajo de los García-Alix, Isabel Muñoz, Ouka Lele o Chema Madoz por poner algunos ejemplos. Pero habría que tener en cuenta que el hecho de que a ese grupo se les sumen nuevos autores con nuevas visiones y prácticas fotográficas no les va hacer ningún mal, sino todo lo contrario. Van a abrir el arco de posibilidades, por lo que en consecuencia la gente que se va a poder sentir atraída por la fotografía va a ser mayor y más diversa, con lo que todos salimos ganando. Incluso ellos. Sé que los fotógrafos consagrados no tienen la responsabilidad sobre la gestión de la fotografía en España. Las empresas privadas y especialmente las instituciones públicas que se dedican al medio son mucho más responsables. Pero de algún modo, si que creo que tienen un especie de deuda moral que debería ir más allá del “tonto el último” que han estado aplicando, algo así como una obligación de devolverle a la fotografía, el medio que les ha permitido ser quienes son, todo lo que les ha ofrecido.

Portada del catálogo "Joves Fotografs",
editado por la Caixa de Pensions, 1986

Dicho esto, todos sabemos que el mercado fotográfico en este país es minúsculo por lo que en realidad creo más nos vale dejarnos de luchas internas absurdas y empezar a remar todos, lo más unidos que podamos, para que la falta de cultura fotográfica empiece a disminuir de una vez por todas. Y cuidado que no planteo una especie de comuna hippie en la que todos seamos amigos y que no haya diferentes opiniones. El debate es útil y necesario, ese es de hecho uno de los principales propósitos de este blog y creo que el párrafo anterior lo deja bastante claro. Lo que creo que se necesita es dejarse de peleas internas como las sucedidas anteriormente entre las diferentes maneras de entender la fotografía o las diferentes generaciones que, por lo que me han contado –el oscurantismo y la no aceptación de los errores cometidos por cada cual también es otra lacra a eliminar – llevaron a desenlaces tan tristes como la desaparición del Centro Internacional de Fotografía de Barcelona, centro al que el MACBA dedicaba una exposición recientemente. Creo que deberíamos intentar expandir la cultura de la fotografía más allá de las endogámicas fronteras que la limitan hoy en día. He visto infinidad de galerías o seudogalerías tanto físicas como online donde ofrecen fotografía a precios, digamos, razonables pensando que de esa manera iban a conseguir atraer al gran público a la fotografía. ¿Pero cuantas de ellas han funcionado realmente? No falta oferta, aquí hay buenísimos fotógrafos, revistas, colectivos, libros y webs... Pero por muy barato que lo ofrezcas, si a alguien le quieres vender aquello que no valora, estarás dándote cabezazos contra una pared. Lo que hace falta es demanda, porque ni siquiera la gente que tiene intereses culturales o artísticos tiene unos conocimientos medios de fotografía. Yo he llegado a sufrir preguntas como: ¿existe una historia de la fotografía? Por eso creo que por ahora es inútil intentar mostrar, publicar o vender fotografía en España cuando no hay nadie que entienda cual es su valor tanto económico como cultural. Para solucionarlo, además de dejar la práctica de “tonto el último” que mencionaba anteriormente, creo que los que estamos en esto primero deberíamos aceptar que lo que nosotros entendemos por fotografía puede no tener un único significado. No se trata de que creemos una definición común ni nada parecido, por muy paradójico que parezca, siempre he creído que tener las cosas demasiado claras puede ser el inicio de un problema. Propongo que aunque no todos estemos de acuerdo con que hacer pantallazos en el ordenador, fotogramas, fotografía directa o colodión húmedo sea fotografía, sin dejar de debatir cuales son esas diferencias, nos centremos más en las semejanzas y sepamos transmitir porqué es esta nuestra pasión, y en algunos casos también profesión. Supongo que los fotógrafos de los que hablaba anteriormente no lo verán del mismo modo. Supongo que será así porque tuvieron que abrirse camino en un en paisaje fotográfico español aún más desértico del que vivimos ahora, por lo que ya tuvieron suficiente con lo suyo. Y una vez te acostumbras a tirar tu solo para adelante sin saber muy bien hacia donde vas, digo yo que cuesta mirar a los lados o a quién viene por detrás. Y además, como la etiqueta que les hemos adjudicado bien dice, ya están consagrados, por lo que no tienen esa motivación extra que te aporta el no tener tierra firme bajo tus pies.

Página 25 del catálogo con la transcripción de la
mesa redonda con motivo de la exposición
"Joves Fotografs", La Caixa de Pensions, 1986


Por si acaso y para que quede claro, vuelvo a repetir que busco debates pero no peleas. No es para nada mi intención ofender a nadie y no tendré reparos para rectificar o pedir disculpas si alguien se ha sentido menospreciado. Y mucho menos con aquellos que llegaron antes, porque aunque no siempre esté de acuerdo, mi egocentrismo fotográfico tiene límites y tengo muy claro que siempre habrá algo que ellos saben y a mi me quede por aprender.

Una vez reconocido lo anterior y asumido sus errores – los aciertos ya están asumidos y reconocidos desde hace tiempo –, toca analizar el presente. Me da la sensación de que esta nueva generación de la que hablaba al principio trae consigo una nueva mentalidad y ha cambiado el paso. La interacción que hay hoy en día entre la gente, y no solo a través de la red, es parte muy importante de su propia existencia. Creo que hemos sabido interactuar, debatir, rebatir y aprender como nunca antes había sucedido. Hay gente haciendo cosas muy diferentes, con ideas muy diferentes sobre qué es la fotografía y como debe utilizarse. Pero eso no provoca rupturas, sino todo lo contrario, por suerte somos la generación del compartir, la generación para la que la marca de agua en sus fotos es una aberración. La que nos hemos “espabilado” y hemos sabido hacer un cambio de rumbo y buen marketing, como también pedía a los jóvenes fotógrafos del 86 Fontcuberta:

“...en mi opinión os falta marketing. Estáis vendiendo un producto que ya existe, y una de las leyes del marketing es que hay que crear un diferencia aunque sea falsa o psicológica con respecto a lo que existe....”

Pues bien, más allá de las diferentes prácticas fotográficas que hemos desarrollado, esa diferencia respecto a lo que existe radica en nuestra actitud por y para el medio. Además de querer ganarnos la vida con la fotografía –opción total y absolutamente lícita – queremos compartirla. Supongo que ahora más de uno se estará frotando las manos pensando en que le estoy metiendo mucha caña al Premio Nacional de Fotografía, de Artes Visuales y de Ensayo, y en parte tienen razón. Pero por otra parte hay que reconocerle que si eso es así, es porque es el único que se ha “arriesgado” a decir lo que piensa sin cortapisas. Es un provocador nato, abre debates, cosa que hace que aunque a veces no comparta sus aportaciones, sea siempre una opinión a seguir y muy de agradecer. Más de uno también se preguntará qué es lo que me lleva a la chulería –sin ser de Bilbao – de afirmar que la generación de fotógrafos de hoy en día sobresale por encima de las de los últimos 30 años. Por empezar por algún sitio, diría que porque hace tiempo que algunos fotógrafos percibieron esta realidad y se enfrentaron al “tonto el último” con la de “la unión hace la fuerza”, creando  colectivos de fotografía. Ellos no solo han sabido hacerse un hueco, sino que directamente han sido capaces de construir un espacio donde no antes no lo había. Y han creado y/o importado modelos de trabajo, de educación e incluso estéticos claramente identificables. Ese camino abierto se ha multiplicado y diversificado en otros muchos colectivos que funcionan en diferentes puntos de la península y que a base de ensanchar el camino han permitido que ya no sea condición sine qua non formar parte de un grupo para existir. También resaltaría el grandísimo momento que vive el mundo de autoedición y la edición independiente, donde libros de autores españoles son alabados fuera de nuestras fronteras – y hay otros con igual o mejor pinta por llegar. Donde editoriales independientes se atreven con el “libro electrónico” y empiezan a tener resultados o webs independientes y sin ánimo de lucro aparecen como una de las mejores webs sobre libros de fotografía según revistas extranjeras. Y si esto no les parece suficiente y lo que necesitan son premios y reconocimientos directos, podemos estar muy orgullosos porque ya no es raro contar con jóvenes fotógrafos españoles premiados o seleccionados en convocatorias como el ya clásico Word Press Photo, el premio de retrato de la National Portrait Gallery de Londres, en festivales de gran repercusión internacional...  Y a pesar de que me dejo muchas más cosas – como por ejemplo todos los blogs, webs y revistas tanto digitales como impresas que existen y que promueven la fotografía emergente, o aquello que se suele aceptar como signo de buena salud de cualquier ideología como es el humor autocrítico y satírico – en realidad ninguno de esos hechos irrefutables son los que me permiten sacar pecho tan descaradamente. Lo que me hace estar tan seguro es tener esa sensación de motivación compartida y generalizada que se respira entre esta nueva generación en cada conversación, cosa que ahora mismo no soy capaz de describir ni detallar con palabras que le hagan justicia.

Lo curioso es que a pesar de la existencia de todo esto ninguna institución, empresa cultural o medio de comunicación importante se ha hecho eco hasta ahora. Pero...¿y que pasaría si eso cambiara? Imaginemos por un momento que un gran museo, festival o parecido se plantease la idea de que lo que está pasando es lo suficientemente importante como para ser señalado. Debería ser una oportunidad de oro para ampliar el interés por la fotografía y para conseguir –como decía más arriba – acercar a gente que no necesariamente trabaja con el medio, ampliando así su radio de acción. En principio el reconocimiento siempre es de agradecer y suena muy prometedor pero...no se si seré yo que suelo ser escéptico y dudo ante todo...¿pero no os entra un poco de miedo? Lo pregunto porque al pensarlo me da la sensación de que seguramente se intentaría establecer un especie de canon o definición que acotase, identificase y definiese qué, quién, cómo y por qué se está desarrollando la fotografía. Y ese sería una gran error, ya que a mi juicio lo más importante es que hay gente continuando con la street-photography, sacando revistas a la calle y a las pantallas, investigando con la postfotografía, programando webs, haciendo nueva fotografía documental, publicando libros y reuniéndose para verlos, manteniendo vivas las técnicas antiguas, impartiendo clases, recibiendo esas clases, reinventando el collage, sacando fotos en grupo y en solitario, teorizando, creando colectivos, montando exposiciones, participando en festivales nacionales e internacionales, convocando concursos, criticando trabajos propios y ajenos, organizando proyecciones y un interminable etcétera. Me temo que si desde alguna institución se propusiese ese reconocimiento a esta nueva generación, se quedaría en eso, en lo que yo acabo de hacer, en un mero señalar pasajero, cuando lo que aquí necesitamos es un cambio de actitud. Es indispensable que se mire y se tenga en cuenta a los últimos en llegar, que aquel que se “espabile”, trabaje y demuestre unas dotes, tenga su recompensa más allá de la edad o de los años que lleve en el medio. No se necesita una gran exposición sobre la nueva fotografía en España, lo que se necesita es un cambio en la mentalidad de todos los que trabajan alrededor de la fotografía, y en especial en las instituciones públicas, en como acogemos, aceptamos y exportamos a la nueva fotografía. He oído a demasiados fotógrafos quejarse de lo que les costó llegar, pero he visto a muy pocos intentar hacer algo para que ese proceso no se perpetuase. Estoy seguro que cada época tiene sus carencias y sus ventajas,  solo propongo hacer algo para que los que vengan después de nosotros al menos no pasen por las mismas dificultades que nosotros tenemos hoy.

Y de hecho, escribir todo este speech – si todavía estáis leyendo esto os lo agradezco y prometo intentar ser mucho más conciso en el futuro – me ha ayudado a darme cuenta de que seguramente nadie de esas altas esferas va a abanderar ese cambio de mentalidad y, aunque quizás sea de una manera bastante ingenua, solo podemos hacerlo nosotros...e  incluso iría más allá y diría que de hecho, ya lo estamos haciendo. Escribir todo este texto me ha llevado a la conclusión de que no tenemos que intentar cambiar la manera de pensar o actuar de nadie, solo tenemos que seguir creyendo y haciendo las cosas a nuestra manera con el mismo ímpetu, porque estoy seguro que de todo este trabajo nos está llevando a un escenario mejor, al que otros acabarán por unirse. Y ahora que lo pienso, existen algunos ejemplos de dichos cambios, como el de que Xavier Rivas, que engrosaría la lista de fotógrafos consagrados, opte por una editorial pequeña e independiente como BSide Books para publicar. O a la inversa, que una gran editorial como RM, coedite libros de corte más arriesgado de lo que acostumbra, como pueden ser los de Vicente Paredes o Julián Barón. Por lo que sé, también tenemos que agradecerle a gestores culturales de nuestra generación la vuelta de unas ayudas tan importantes y necesarias como Fotopress. O por otro lado el esfuerzo que están haciendo algunas escuelas por cambiar sus modelos educativos y como otras nuevas ofrecen oportunidades hace poco inimaginables, como la de publicar un libro tanto a profesores como a alumnos, en el caso de la escuela Lens de Madrid.

Esta nueva generación vive y exprime la fotografía todo lo que puede. Gracias a Internet lo hace en común con debates abiertos, seguro que con algunos enfados, pero sin grandes peleas ni jerarquías internas, entendiendo que justamente esa variedad es la que da forma al nuevo movimiento. Y definitivamente se trata de un movimiento expansivo al que no le caben los corsés. Busca traspasar cualquier límite o frontera, aprovecha como nunca de las oportunidades que le ofrece la tecnología, tanto la nueva como la antigua. Vive y disfruta la fotografía de ayer y de hoy, y se arriesga a buscar la de mañana.

Sinceramente, si nos quejamos de lo difícil que es vivir de la fotografía, de lo mal que se trata al fotoperiodista, del pésimo gusto de agencias y clientes en el mundo de la moda y la publicidad, del poco margen que tiene frente a otras disciplinas en el mercado del arte etc. Si por un lado el gran problema viene del poco valor tanto cultural como económico que tiene la fotografía en la sociedad y de la precariedad que eso supone para los que la practicamos, pero si por otro a pesar de ello seguimos erre que erre viviendo y compartiendo aquello en lo que creemos...¿soy el único que piensa que llegará un momento en el que ese sin sentido llamará la atención fuera de nuestras endogámicas fronteras y a alguien ajeno a la fotografía le llamará la atención y querrá entender el porqué de ese impulso? Por muy naíf que suene...¿a alguien se le ocurre una mejor manera para conseguir ampliar el número de público a la que le puede interesar la fotografía que la de demostrar nuestra pasión inquebrantable por ella?

Foto: Alberto Feijóo

¡Empezamos!

Aunque algunos no hayan tenido vacaciones y otros quizás estén aún hoy disfrutándolas, septiembre es el mes oficial de la vuelta al cole. Por eso, después de un largo y bien disfrutado parón veraniego en este blog, creo que no es mala idea retomarlo enumerando algunas de las publicaciones y exposiciones que podremos ver este año.

Cartel de la presentación de Noray de Juan Valbuena


Si empezamos con el mundo editorial, habría que señalar el libro “Casa de Campo” que Antonio Xoubanova va a publicar con Mack. Además este verano tuvo la generosidad de explicar su proceso de trabajo y compartir la maqueta con los participantes del Photobook Club Madrid, en una sesión en la que me dio mucha envidia no poder participar. Por otro lado también tengo muchas ganas de ver “Noray” de Juan Valbuena  (no olvidemos que Juan ha sido seleccionado tanto en el premio del libro de PhotoEspaña 09, como en el Fotobook Festival de Kassel 09) que además estrena editorial, PHREE, con la que, por lo que me han comentado, ya tienen en mente una línea editorial bastante clara e interesante. Por el mismo camino van tres autores con experiencia previa en el mundo de la autoedición que han decidido aunar fuerzas para crear Ca L’lisidret Edicions: Roger Guaus, Aleix Plademunt y Juan Diego Valera. Hace poco colgaron en su página de Facebook las fotos del proceso de impresión de “Lo Inalcanzable” de Guaus y no creo que pase mucho tiempo antes de que veamos más publicaciones de Plademunt o de Valera, o de incluso los tres a la vez colaborando en un proyecto conjunto. Siguiendo con este auge de nuevas editoriales independientes, Ediciones Anómalas, sello nacido hace menos de un año, va a sacar pronto su segundo libro, “Atlas” de Israel Ariño, otro fotógrafo con gran experiencia en el mundo editorial. Otra de las novedades de este año es el nuevo proyecto editorial de la escuela Lens de Madrid que se presentará en el 25 de septiembre en La Casa Encendida, en la que publicarán un libro de un profesor y otro de un alumno cada año. Los libros estarán producidos por la escuela bajo la coordinación y dirección editorial de Carlos Albalá y contando con el diseño de Pilar Rojo. “The Family Project” de Matías Costa es el primer libro que tienen en camino. Tampoco puedo olvidar que Ignasi Lopez presentará en breve “Agroperiferics”, para lo que ha convocado una presentación transhumante con vermut incluido, paseando por los huertos periurbanos en los Ignasi que realizó muchas de las fotos que forman parte del libro que publica en BSide Books (la editorial de la que es cofundador junto a Carlos Albalá). Siete de un Golpe también tiene unos cuantos proyectos en proceso, por un lado está el "Cuaderno de Campo" de Matías Costa en el que llevan ya un tiempo trabajando, al que se le suman "Este Seu Olhar" de Maíra Soares y el que creo será el primer libro de Alejandro Marote. (Me voy a permitir un pequeño inciso para resaltar que Chema Madoz también va a publicar un libro de artista con Siete de un Golpe y que, recordemos, Xavier Ribas publicó este verano "Nomads" con BSide Books. ¿Alguien se imaginaba hace un par de años que estos dos pesos pesados de la fotografía en España iban a elegir publicar sus proyectos con editoriales tan pequeñas e independientes? Creo que eso es señal inequívoca de que algo están haciendo bien) Volviendo al tema que nos ocupa, los libros que se otean en el horizonte más cercano, otro de los que promete y está en camino es el que sacará Vicente Paredes con Fiesta Ediciones, de la que también espero que sigan apareciendo nuevos fanzines Fiesta Fiesta, dando oportunidades a autores quizás no tan conocidos. También hay ganas de que Have a Nice Book estrene su nueva web, que contará con un sistema de catalogación mejorado y nuevos contenidos. Y habrá que estar atentos a la exposición de libros autoeditados que se realizará durante el SCAN en Tarragona, para lo que tuvieron abierta una convocatoria durante todo este verano. 
Cartel de la presentación de Agroperiferics de Ignasi Lopéz


Pasando a las internacionales y empezando por Mack, además del de Xoubanova que comentaba más arriba, me muerdo las uñas por el de Jem Southam, el de Daniel Blaufuks y el de Sam Falls. Aunque esos son autores que conozco y seguramente Michael Mack tendrá algún as bajo la manga, por lo que seguro que alguno de los demás autores que publican con él y no son tan conocidos acabarán siendo los que más me gusten. Hablando ya del peso pesado, Steidl, tengo curiosidad por ver la coedición que sacarán con la española La Fabrica de las fotos que hizo Robert Frank en Valencia entre 1948 y 1959. Pero es que si nos fijamos en el apartado de coming soon de su web, veremos que tienen la increíble cifra de 87 libros por llegar...por ir al grano, estoy seguro de que el que más expectación levanta es el Broken Manual de Alec Soth, publicación que ha sufrido retrasos, ha provocado rumores, la gente se ha enfadado, se han publicado hilarantes posts sobre una hipotética presentación...vamos, lo propio de una súper estrella de Hollywood (o su equivalente fotográfico en este caso). Tampoco quiero olvidarme de cosas que han pasado estos últimos meses y que han tenido más o menos relevancia, como el éxito fulgurante de los Afronautas de Cristina de Middel (atentos a las listas de mejor libro del año en diciembre), del primer libro de Iñaki Domingo titulado "Mi Madre", las más de 5.000 descargas en un solo día del libro electrónico Tusk de Ana Cabaleiro publicado por Ubicuo Estudio, el Thinspiration de Laia Abril o "A Casa do Oscar" de Luis Díaz Díaz que salió a principio del verano entre otros.


Pasando ya al capítulo de las exposiciones, tengo muchas ganas de ver la exposición de Robert Adams en el Reina Sofía, con más de 250 fotografías que recorrerán toda su trayectoria desde los sesenta hasta hace poco menos de diez años. También promete “Seducidos por el Arte, pasado y presente de la fotografía”, que se podrá ver en el Caixaforum tanto de Barcelona como de Madrid, y que la Obra Social de La Caixa ha coproducido junto a la National Gallery de Londres. En está exposición podremos ver a unos cuantos fotógrafos, entre los que tengo especial curiosidad por ver (por fin) las copias de Richard Learoyd en vivo, y como estas funcionan junto a pinturas de grandes maestros como Degas, Constable o Ingres. El próximo 18 de septiembre arranca en la sala Azca la exposición que recorrerá la trayectoria de la fotógrafa Imogen Cunnigham con alrededor de doscientas imágenes, teniendo en cuenta el gran trabajo que suelen hacer desde la fundación Mapfre, estoy seguro de que merecerá la pena. En la galería La Fábrica, además de la recién inaugurada exposición de Sally Man, más adelante vendrá una del gran fotógrafo japonés Nobuyoshi Araki, otra cita obligada. Y pasando ya a las exposiciones en el extranjero, además de la anual y ya presentada “New Photography 2012” del MOMA, destaca la que compartirán otro archiconocido autor japonés, Daido Moriyama y William Klein en la Tate de Londres. Una de esas exposiciones que sirven como excusa para que los que se lo puedan permitir se vayan de fin de semana a la capital inglesa. Y para acabar, también quiero nombrar al menos a dos jóvenes (y amigos) fotógrafos que expondrán en breve en Barcelona, el donostiarra Yosigo y Fernando Durán (reciente Premio de artes plásticas de la Diputación de Ourense), en Meeatings23 en el caso del gallego.


Cartel de la próxima exposición de Klein y Moriyama en la Tate


Si creéis que me he dejado algún libro, exposición o evento interesante que debería estar en este post (seguro que habrá unos cuantos), os invito a que lo compartáis a través de los comentarios. Pero os pido por favor que, aunque sea brevemente, expliquéis por qué creéis que tal libro, o cual exposición merece la pena. Me atrevo a pedirlo porque creo que así resultará mucho más útil e interesante para todos que una simple ristra de enlaces sin ton ni son. Solo me falta decir que se presenta un año cargadito y muy interesante para disfrutar de la fotografía en cualquiera de sus formatos y vertientes, cosa que, sinceramente, hace que esté muy contento y motivado para empezar a ver y hacer cosas ya. 

NUEVOS USOS Y RIESGOS DE LA FOTOGRAFIA

Este texto lo escribo como reacción al manifiesto que hace poco menos de un mes publicó en su web mi antigua compañera de estudios, amiga y fotógrafa a la que admiro, Iraida Lombardía, en el que se declaraba en huelga durante 1000 días (!). En este punto, creo imprescindible que os leáis el texto que aparece en la portada de su web.


Expresiones como “ecología de la imagen” o “bulimia icónica” ya las hemos leído y oído a otros teóricos y artistas (he tachado "bulimia icónica" porque la propia Iraida me apuntó que ese término no se lo debe a nadie, es de su propia cosecha), son ideas que llevan ya un tiempo sobre la mesa pero que, desde mi punto de vista, hasta hace poco nadie había intentado enfrentar de esta manera. Todos estamos de acuerdo cuando decimos que se hacen muchas fotos, que consumimos demasiadas fotos, que hay una sobresaturación fotográfica en la sociedad...pero sorprendentemente pocos se han planteado como pararla. Fontcuberta, que sería uno de los grandes faros a seguir en este tipo de cuestiones, se ha enfrentado a la excesiva exposición a imágenes que sufrimos proponiendo el reciclaje. En proyectos como los “Googlegramas” o “A través del espejo” desarrolla un discurso en el que la apropiación de imágenes y su reutilización han de ser consideradas como un gesto hacía la necesidad de reducir la creación de imágenes, con la idea de que así consumiremos también menos. Paradójicamente, ambos trabajos constan de cientos, sino miles, de fotos que como espectadores tenemos que digerir. Me pregunto, y no soy el único como demuestra este interesante artículo de Edgar Gómez Cruz y Elisenda Ardévol Piera, si esa no es una idea ya superada por el cambio que ha vivido el concepto de la autoría y de la creación fotográfica. En los últimos años hemos visto una gran revolución que ha afectado a todas y cada una de las partes que conforman esa práctica fotográfica. Empezando desde la realización y sus nuevas maneras de conceptualizar; como pueden ser la fotografía escenificada, el uso del archivo o la apropiación. Pasando por la realización; en cuanto a la aparición de la tecnología digital y sus nuevos tiempos, estéticas y calidades. Y acabando en la difusión y sus ilimitados territorios;  que es justamente el paso en el que me da la sensación que falla la teoría del “reciclaje fotográfico”. Si leemos los puntos tercero y cuarto del famoso manifiesto postfotográfico dice:

(...)
3º En la responsabilidad del artista: se impone una ecología de lo visual que penalizará la saturación y alentará el reciclaje.
4º En la función de las imágenes: prevalece la circulación y gestión de la imagen sobre el contenido de la imagen.
(...)

Cuanto más leo estos dos puntos, más me da la sensación que se contradicen sin solución. ¿Cómo puede ser que se imponga la ecología de lo visual penalizando la saturación y alentando el reciclaje, cuando acto seguido estamos diciendo que prevalecerá la circulación y la gestión de la imagen sobre el contenido de la misma? ¿La ecología no pasa obligatoriamente por buscar el mejor aprovechamiento de los recursos posible? ¿En nuestro caso, no creéis que si quisiésemos aplicar esa idea, además de reciclar imágenes, también deberíamos refinar su tráfico, reducir su visibilidad, intentar concentrar en una sola imagen todos los significados? ¿Y si aplicásemos el viejo refrán de “ojos que no ven, corazón que no siente” y a pesar de que se siguiesen haciendo los trillones de imágenes que se hacen a diario, solo pudiésemos ver unas pocas decenas al día? ¿No ayudaría eso a rebajar la saturación de imágenes en la que vivimos? 


Instances of Books Being Read (from home-decor and home-
improvement webistes and catalogs), 
2007 Penelope Umbrico


Todas esas preguntas me provocan la sensación de que autores como Penelope Umbrico o Joaquim Schmid han mal interpretado de alguna manera esa última parte del proceso fotográfico contemporáneo, donde entra en juego la itinerancia de las imágenes; ya que como solución al exceso proponen apropiarse de imágenes ajenas y volver a lanzarlas reinventadas, como si ello no fuese un acto de creación que, en definitiva, sumará una imagen más a ver, analizar y digerir; una imagen más a añadir al desbocado e ininterrumpido flujo de fotografías que nos rodea. A mi me han enseñado (o quizás he interiorizado) que el único proceso de apropiación válido es aquel que es en sí mismo un acto de creación, por lo tanto, a pesar de que se reutiliza una imagen, también se crea otra, por lo que no se ayuda a reducir la contaminación fotográfica, sino todo lo contrario, ya que de una sola imagen se crean y difunden dos significados y usos diferentes. Sospecho que el error, por parte de los que practican la reutilización, radica en la idea de que son los procesos de conceptualización y creación los que otorgan la autoría que el espectador identifica sumando una muesca más en el contador de imágenes consumidas. Y por eso me pregunto si ese proceso de identificación de imágenes ha pasado a mejor vida, y si no es la imagen en sí misma con los significados que transmite cuando llega hasta nuestro ojos la que nos llevan identificarla y asumirla. Es decir, nos saturan las imágenes que han sido pensadas, hechas y difundidas hasta llegar a nosotros y en las que identificamos la autoría en esos tres pasos. No nos afecta el hecho de que esa imagen haya sido utilizadas antes o no, ya hemos aceptado la apropiación, ya no es sinónimo de mesura, sino que casi de todo lo contrario. Si realmente queremos detener y ajustar esa sobreexplotación de la práctica fotográfica, no basta con perfeccionar las dos primeras fases, la de conceptualización y la de realización, también tenemos que hacerlo con la tercera, la de la difusión.

Puede parecer que esté proponiendo una idea de la práctica fotográfica aún mas extremista que la de los practicantes de la postfotografía, donde ya no solo no hay que hacer fotos, sino que tampoco hay que difundirlas. Nada más lejos de mi intención, con este texto solo quiero plantear una reflexión en torno a dicha problematica. A pesar de que estudio las propuestas y teorías de esta tendencia y las tengo como un claro referente para mi propio trabajo, quiero dejar claro que no puedo estar más en desacuerdo cuando dicen cosas como que “todo está ya fotografiado”. Tengo clarísimo que las mejores fotos, ya sean estás apropiadas, directas, analógicas o digitales, están por venir (sino no me dedicaría a esto). Las que están hechas ya las tenemos asumidas, y a no ser que el mundo se congele repentinamente y ya nada se mueva ni avance y vivamos suspendidos en el tiempo, creo que seguirá evolucionando de manera imprevisible, ofreciéndonos ideas, personas, lugares, estéticas etc. que ahora mismo ni siquiera somos capaces de imaginar, ni mucho menos fotografiar.

En cualquier caso, creo que todo ese exceso en la circulación de imágenes proviene de la excitación provocada por las posibilidades que ofrece la nueva tecnología digital. Estamos en la fase en la que, para ciertos autores, esa nueva tecnología es el fin en sí mismo, en vez de una herramienta más, cosa que sin duda acabará siendo. Por otro lado, existen otros autores que frente a la saturación, optan por la concentración y la destilación, o incluso por la omisión. Proyectos como “Photo Oportunities” de Corinne Vionett, el mencionado manifiesto de Iraida Lombardia, el libro “Photographs no taken” de Will Steacy editado por Daylight o el ejemplo que viene a continuación ya apuntan en esa dirección. Mientras escribía este texto, Elisabeth Tonnard, artista conocida por sus libros de fotografía y parte activa del interesantísimo colectivo Artist Books Cooperative, lanzó una invitación abierta a una “Invisible Party”, en la que se presentaba y vendía la segunda edición de “Invisible Book” por el módico precio de 0 euros. Para ello solo había que mandarle un email, cosa que hice en modo invisible ya que el texto del email que le envié decía simplemente “            “. Ella amablemente me reenvío el libro invisible y la factura que acreditaba su compra por email. Que creo que de manera mucho más irónica y divertida (cosa de la que me alegro mucho porque sino esto puede llegar a un punto teórico demasiado pedante, si es que no ha llegado ya...) ahonda también en la idea de no difundir más imágenes. 

Esta es la factura que me envió Elisabeth Tonnard
junto al libro Invisible Book

¿Y porqué deberíamos reducir el consumo de imágenes? Este último año he llegado a la conclusión de que entre mis alumnos, a los que tampoco saco mucha diferencia de edad, 10-15 años máximo, y yo existe una grandísima diferencia en cuanto a como realizan, analizan y presentan su trabajo. Tengo la sensación de que a las nuevas generaciones el proceso de trabajo fotográfico, la fase evolutiva, la formula de prueba y error, la sienten extraña. Parece que han interiorizado y asumido un rápido y concatenado gesto que incluye: 

1 Sacar la foto
2 Mirarla
3 Guardarla si te gusta o borrarla en caso contrario
4 Sacar otra foto y volver a empezar cuanto antes

No se preguntan porqué esa imagen no funciona, no analizan el error y por lo tanto no sacan conclusiones del mismo; simplemente lo borran hasta que tras miles y miles de errores después consiguen de manera más o menos casual aquello que buscaban, y quizás, con suerte, adivinan como y porque lo han logrado. Creo que en ese sentido el entorno fotográfico tampoco ayuda, ya que a veces da la sensación que todo estudiante de fotografía tiene que ganar un premio o ser seleccionado para una exposición incluso antes de que acabe sus estudios. Hay que presentarse a todos los concursos, hay que aplicar a todas las becas, hay que hacer todos los talleres, hay que publicar libros...incluso parece que este carrera de locos ya se ha cobrado alguna víctima. Así es como he notado que la mayoría de mis alumnos han llegado, queriendo mostrar solo fotos buenas en clase, sin entender que si ya sacan las fotos que quieren sacar, en realidad no necesitarían venir a la escuela. He intentado (yo tengo la sensación de haberlo conseguido con algunos, aunque solo ellos sabrán si es así) cambiar ese miedo al error, rebajar ese ansia por llegar sin recorrer el camino explicándoles algo tan manido y tan simple como que se aprende más de los fracasos que de los éxitos. Es justamente a la hora de intentar entender el porqué de ese gesto instintivo de borrar la foto mala sin pararse a analizarla, cuando he encontrado la respuesta a la pregunta que planteaba al principio del párrafo: ¿por qué deberíamos reducir el consumo de imágenes? Viendo lo visto, respondería que porque hoy hacemos y vemos tantas fotos que ya casi no tenemos tiempo para analizarlas y asumirlas, porque preferimos disparar y disparar y disparar antes que pararnos a diseccionar, saborear, interiorizar y reflexionar. Porque creo que, y especialmente en el caso de las generaciones más jóvenes que se quieren dedicar a esto, corremos el riesgo de banalizar la imagen, convirtiéndola en una superficie por la que simplemente nos deslizamos, desaprovechando la oportunidad de adentrarnos en sus profundidades.


PD: Por si no habéis tenido suficiente con esto, deciros que hace poco escribí otra entrada sobre libros de fotografía (creo que mucho menos densa y más entretenida que esta) en el blog de los compañeros de BSide Books que os invito a leer aquí.