PHOTO-GASTRONOMIC TRIP THROUGH THE NORTH OF SPAIN

Only in English this time, I want to balance somehow the fact that the last two entries were written just in Spanish. I’ve been really busy lately with no time at all for translations, so I thought that I had to offer you -English readers- something special in return. If you are lucky enough to have some free days on Christmas or around New Year's Eve, here you have an idea to come to Spain and enjoy great photography and food:

First gastronomic stop: Casa Camara

I invite you to start this trip from San Sebastian, known as the city of the world with more Michelin Stars than any other… But let my avoid all those well-known and fancy restaurants and offer you some other great and less known spots. I have to start with Casa Camara, not only because its name works perfectly for this post or because of the amazing fish and seafood that you can have there; but also because it’s my grandma's family restaurant! It has been in the tiny beautiful village of San Juan (less than 15 minutes from San Sebastian) since 1884 and it’s known by locals as one of the best classic basque cuisine restaurants. I strongly recommend to go for lunch rather than for dinner and to reserve a table by the window. If you are lucky enough you would be able to see how one of those huge cargo ships gets into the super narrow entrance of the port. If any of you ends actually going there, tell one of the ladies running the place that Jon Uriarte recommended it to you, she would be one of my aunts, if not my grandma…

Casa Camara, 1928 Ricardo Martin

My Grandma is the girl standing at the back, 1928 Ricardo Martin

Indoors shot of the restaurant, 1928 Pascual Marin

Once your belly is full you is time to go see some good photos. Next stop is at Bilbao, just an hour and a half from San Sebastian by car or public transport.


First photo stop: Fine Arts Museum of Bilbao - New Topographics

Since the Bilbao Guggenheim Museum opened its doors, Bilbao has amazingly changed in many ways. Tourists now visit the city and walk along its ria where even some fish can be seen; no more that 20 years ago (I can remember it) that river used to stink because of the industrial waste that the factories of the area threw directly to its water every day.  That museum was built not only to show great contemporary art, but looking to develop a whole new infrastructure and to change the cities face and it's clear that it made it. But not many people knows, besides the locals, that there was already a great art museum at Bilbao more than one hundred years before Frank Gehry’s huge building, The Fine Arts Museum of Bilbao, a museum built with the only aim of showing great art. It’s there where the classical and landmark exhibition New Topographics is being showed until January 8th. I believe that I don’t have to explain how influential this exhibit was and is. Not happy with that, the same museum is holding another exhibit by painter Antonio Lopez, one of the greatest living Spanish painters no doubt.

Fine Arts Museum of Bilbao

Tract House, Westmister,  Colorado, Robert Adams

Second photo stop: Botin Foundation - Paul Graham

If you keep on going west from Bilbao, in a little more than one hour you will arrive to Santander, the capital of the region of Cantabria, a beautiful small city by sea at the Bay of Biscay. There I propose you to visit Botin Foundation, where a Paul Graham’s big exhibit is now on view. That exhibition “brings face to face two key moments in Graham’s artistic career, through the juxtaposition of two of his series: New Europe (1986-1992) and A Shimmer of Possibility (2004-2006). The first of these was the result of a tour through Europe; the second, through the United States” as it says at the press release. It sounds like a great opportunity to enjoy the work of one of the most prominent contemporary photographers of our time.

Second gastronomic stop: Fuente La Lloba

I’ve been in Asturias - the next region after Cantabria to the west - a few times, but I don’t know that region of the country as well as my good friend and photographer Iraida Lombardía, who was born and raised there. That’s why I asked her for a good place to eat in Asturias and this is what she answered “the restaurant is called Fuente La Lloba, you have to drive through a rocky mountain trail that can be scary for some, but the Japanese food that they cook there is absolutely worth it! Here you have a blog where they share some photos and here their contact info. I have to tell you that I’m afraid to recommend it, the place is very special and little known now, I hope it doesn’t get packed by tourists!!!”

The Fuente la Lloba restaurant's garden, Maria Diez

The view from the restaurant, María Diez

Third photo stop: Centro Galego de Arte Contemporánea - Jeff Wall

“The Crooked Path examines the context that favoured the development of Jeff Wall’s oeuvre in a broad selection of works by the artist and others, aspires to offer a complete survey of the photographer’s aesthetic concerns. The exhibition explores the close links between Wall’s artistic process and its reflections and influences—pictorial, photographic, cinematographic, literary and documentary—that complemented his theoretical positions.” I think that this introduction to Jeff Wall’s exhibit at Centro Galego de Arte Contemporánea, in Santiago de Compostela, could be enough to attract photography lovers. I guess that if I add that artists such as Marcel Duchamp, Rodney Graham, Bruce Nauman, Luis Buñuel, Stanley Kubrick, Terrence Malick, François Truffaut, Diane Arbus, Eugène Atget, Bill Brandt, Walker Evans, Robert Frank, Raoul Hausmann, Helen Levitt and many more are also included at the show, everybody would agree that this exhibition is unique opportunity to enjoy art.

Lucky students listening to Mr. Wall's explanations at the CGAC, EFE

Third and last gastronimic stop: Mesón do Pulpo

Santiago de Compostela is the capital of Galicia, the last region to the north west shore of Spain.  It’s cathedral is the destination today, as it has been throughout history, of the important 9th century medieval pilgrimage route, the Way of St. James. Santiago is also known, as the rest of the cities and villages of Galicia, by the great food that they cook there. I ask my good gallego friend and photographer Fernando Durán to recommend me a place to eat there; he suggested me to go “Mesón do Pulpo”, that I would translate as “The Octopus Restaurant”. Octopus is the traditional gallego dish and that restaurant is known as the best one cooking Pulpo a la Feira on the city, it is a definitely a must and a great way to finish this journey.

Pulpo a la feira at Mesón do Pulpo

I hope that you enjoyed the trip, even if it has been just virtual. If you can’t come to visit us now, you could save this information for the future, good food and photography will always be waiting for you around here!

Happy 2012 to everyone!!!


Directions:

-Google Maps directions stop by stop

-Casa Camara 
phone: 0034 943 523699
adress: Calle San Juan, 79, Pasai Donibane, Gipuzkoa

-Museo de Bellas Artes de Bilbao  
phone: 0034 94 4396060 
adress: Museo Plaza, 2 Bilbao, Bizkaia
 
-Fundación Botin  
phone: 0034 942 226072 
adress: Calle Pedrueca, 1, Santander, Cantabria

-Fuente la Lloba: 
phone: 0034 686 376805 
adress: AS-258 33534 Piloña, Asturias

-Centro Galego de Arte Contemporánea 
phone: 0034 981 546619 
adress: Rúa Valle Inclán s/n 15704 Santiago de Compostela, Galicia

-El Mesón do Pulpo: 
phone: 0034 981 586416 
adress: Rua Vista Alegre, 57 15705 Santiago de Compostela, Galicia

GARY SETTLES

(bajar para versión en español)

The feeling that those things that concern or interest me, can be also interesting or concerning for others is the greatest satisfaction that I get from this blog. Feeding this blog is an ongoing encouragement for me to keep-on investigating, choosing and thinking; exercises that I used to do before, but that I didn't usually share, so I rarely did them with the rigor and continuity that I do it now. I'm very grateful to that change because things as the one that comes next started to happen to me.

I found Pennsylvania State University Professor Gary Settles' photographic work by chance while I was looking for air related photographers to include in the last entry about fire, earth, wind and water. This 13 Schlieren photographs – a technique which visually seems familiar to me but I didn't know before – that can be found at the Science Photo Library immediately attracted my attention. I decided that the photos not only deserved to be included at that entry, but also were interesting enough to set them apart. 

The scientific point of view connects him directly to Harold Edgerton’s work, but in Settles’ case it was the staging and the everyday actions what fascinated me the most. I might venture to say that I saw connections to those who set the foundations of postmodern photography. I saw the study of typology and document that the Becher’s and their students started in the way that Settles reproduces everyday activities, I also saw the documentation of random strange and/or common actions, which can be linked to Sophie Calle. Finally, I saw the staging that connects directly to Jeff Wall and even to Cindy Sherman, adding in Settles' case that he stages and analyzes the male gender instead of the female, placing the action in a '90s TV shows in opposition to Sherman's '50s and '60s movies.

As with any good photographic work, Professor Settles' work made me have a lot of questions, so I decided to interview him via email, an offer that he kindly accepted.

Question Could you describe what Schilieren photography is and how it works?

Gary Settles Schlieren imaging and the shadowgraph technique are optical instruments which allow us to see phenomeno in the transparent air and water (even glass) that would normally be invisible to the unaided eye.  Technically, these instruments transform a phase distribution (that we can’t see) into an amplitude distribution or image, that we can see.

Q. When and why did you start working with this photographic technique?
G. S. I was a teenager building a science-fair project that needed to have schlieren optics as part of it.

Q. What did you discover through Schilieren photography?

G. S. That would require a very long list.  My students and I have discovered a great many things over the years using these techniques.  Most of what we discovered is written up in our publications, which can be found here. One of the most recent: snipers claim to be able to see a faint “trace” left behind by a bullet in flight.  Using the schlieren technique we discovered that this is actually the turbulent wake of the bullet.

Q. Do you know about other scientific/photographers as Harold Edgerton? Are you familiar with his photographic work?
G. S. I knew Doc Edgerton, who died in 1990.  He was one hell of a good guy.  There are others still living who are in the same mold, such as Andy Davidhazy of RIT (Rochester Institute of Technology).

Q. Do you follow the photographic art scene? If yes, which photographer or movement do you like and why?
G. S. I need to learn more about the photographic art scene.  I look at a lot of photos, and a subset of those I look at gives me ideas.

Q. I am particularly fascinated by the series of 13 images that can be seen at the Science Photo Library website. Did you think about the aesthetics when preparing the scenes or it was just about scientific investigations? 

G. S. I always think about aesthetics when I capture an image.  Sometimes my students don’t do so, and they are satisfied with any old crappy image.  I have to train them out of that habit.

Q. Do those scenes form part of a particular body of work or they were done separately?

G. S. The images on SPL are a cross-section of a life’s work, taking schlieren photos.  They are, in fact, the ones that sell most often. If you search SPL for "schlieren" you will see all images, mine and those of others.  But if you search for "gary+settles" it only shows a subset of my images, namely those taken with our full-scale Schlieren facility.

Q. Is there any reason why the main character in this particular subset of photos is always the same? Who is he?
G. S. My images don’t have a main character.  When a person appears, it’s usually me or one of my students. The man who appears in these particular images is my technician, J.D. Miller.

Q. Which was the parameter that you followed to decide which everyday situation was worth it to be photographed?
G. S. In most of these images I’m looking for invisible everyday phenomena like the human thermal plume, coughing, a candle plume, etc.  In scientific photography, people like to see unusual views of ordinary people and objects.

Q. Are you familiar with photographers as Jeff Wall, Sophie Calle or Cindy Sherman? If you are, do you see any similarities between their work and yours?  

G. S. I don’t feel a general affinity with any of the 3 photographers you mention, though in each case an occasional image of theirs speaks to me.  I feel a much stronger affinity to Andy Goldsworthy, Andy Davidhazy, Peter Steehouwer, Clark Little, Kenneth Libbrecht, and Michael Davison.

Q. Would you feel comfortable with hanging those photos on the walls of an art museum or gallery? If not, why? If yes, do you think that there could be a conflict between the scientific and the artistic uses of the images?  

G. S. Yes, most of my schlieren images could pass for abstract art or scientific art.  That is intentional.  No, there is no conflict.

Q. Have you ever received any offer to publish or show your photos as art pieces?

G. S. On several occasions my photos have been published, e.g. in magazines, more for their artistic than for their technical content.  I have never had an art show, though.

Q. Feel free to add any other message or thought.
G. S. My hobby is oil painting.  You can see a gallery of my paintings here.  And also a gallery of my additional technical photos here.

Gary Settles: Finally I have a question for you: When I retire from the university, one option is for me to devote my time to art and photography.  How do you suggest that I proceed? 

Answer: I have to say that I wish I knew the right answer for that because I would apply it for myself too. I only can recommend you what I think that could work… First thing, the obvious one, keep on making photos or at least do one thing that could help you photographic career every single day. Then, in your case, I would suggest to start editing your photo archive, meaning that I think that you should select, discard and order your photos setting up a consistent body of work. Writing a statement or at least thinking on some bottom line ideas could really help for that, even if once you have it you don’t want to make it public. Then you should show your work, create a website. Do a research of festivals, portfolio reviews, magazines, open calls, websites and blogs that you like and where you think that your work could fit. Then apply and send your photos to all those places that you selected and show it to your closer contacts too. Finally, be persistent and always enjoy making photos.

english
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español


GARY SETTLES 

La mayor satisfacción que me ha dado este blog es el hecho de que parece que aquello que me interesa o me preocupa también puede interesar o preocupar a los demás. Mantener el blog es un estímulo constante para investigar, elegir y razonar; ejercicios que realizaba anteriormente pero que no hacía públicos, por lo que casi nunca los llevaba cabo con tanto rigor y continuidad como ahora. Tengo que decir que estoy muy agradecido a ese cambio ya que ha permitido que me sucedan cosas como la que viene a continuación.

Mientras buscaba fotógrafos para el post anterior sobre el fuego, la tierra, el aire y el mar por pura casualidad acabé topándome con el trabajo del profesor de la Pennsilvania State University Gary Settles, que se puede encontrar en la web de la Science Photo Library. Sus fotografías Schlieren (una técnica que aunque visualmente me es familiar, desconocía por completo) con las que desarrolla investigaciones científicas rápidamente llamaron mi atención. En ese momento decidí que no solo merecían ser parte de ese post, sino que ese trabajo me parecía lo suficientemente interesante como para dedicarle toda una entrada. 

El claro punto de vista científico hace inevitable que las fotos me recuerden al trabajo de Harold Edgerton, pero en el caso de Settles creo que la puesta en escena y las acciones que se llevan a cabo en ellas fueron las características que me atraparon. Me atrevo a decir que veo vínculos con los trabajos de aquellos que pusieron los cimientos del postmodernismo en la fotografía. Obviamente está el estudio científico de la tipología y catalogación establecida por los Becher y sus discípulos en la forma en la que Settles reproduce situaciones cotidianas. También veo la documentación de esas acciones cotidianas y/o extrañas que se acerca al trabajo de Sophie Calle, por no hablar de la fotografía escenificada de la que Jeff Wall podría ser un referente o incluso Cindy Sherman, añadiéndole en este caso la diferencia de que el género escenificado y criticado en este caso sería el masculino y en vez de situarse en situaciones parecidas a películas del los 50s o 60s, Settles parece acercarlo a escenas propias de series de televisión de los 90s.

Como todo buen trabajo de fotografía, el del profesor Settles me generó muchas preguntas, así que me decidí a realizarle una entrevista vía email, en la que él muy gentilmente acepto participar:

Pregunta Puede describir qué es y como funciona la fotografía Schilieren?

Gary Settles La creación de imágenes Schilieren y la técnica de la sombrografía son instrumentos ópticos que nos permiten ver fenómenos que ocurren en el aire y agua transparente (incluso cristal) que en condiciones normales serian invisibles para el ojo humano. Tecnicamente, estos instrumento transforman un distribución por fases (que no podemos ver) en una distribución ampliada o imagen, que si podemos ver.

P. Cuando y porque empezó a trabajar con esta técnica fotográfica?
G. S. Durante la adolescencia, cuando estaba contruyendo un proyecto de ciencias para la escuela que necesitaba de opticas schlieren.

P. Qué ha descubierto a través de la fotografía Schlieren?

G. S. Responder a eso requeriría una larga lista. Mis estudiantes y yo hemos descubierto muchas cosas importantes a lo largo de los años utilizando esta técnica. La mayoría de estos descubrimientos han sido divulgados en nuestras publicaciones que se pueden encontrar aquí. Una de las más recientes: los francotiradores aseguraban que una bala deja un tenue rastro detrás durante su desplazamiento. A través de la técnica Schlieren descubrimos que ese rastro esta causado por la estela de turbulencias que crea la propia bala.

P. Conoce a otros científicos/fotógrafos como Harold Edgerton? Conoce su trabajo fotográfico?

G. S. Conocí al doctor Edgerton que murió en 1990. Era un gran tipo. Aún quedan otros vivos que siguen el mismo patrón como por ejemplo Andy Davidhazy del RIT (Rochester Institute of Technology).

P. Está al corriente de la escena fotográfica artística?
G. S. Necesito aprender más sobre la escena de fotografía artística actual. Miro muchas fotografías y de ahí es de donde saco las ideas.

P. Estoy especialmente interesado por la serie de 13 imágenes que se pueden ver en la web de la Science Photo Library. Pensaba en aspectos estéticos cuando preparaba las escenas o solo tenia fines científicos? 

G. S. Siempre pienso en la estética cuando capturo imágenes. A veces mis estudiantes no lo hacen y están satisfechos con cualquier vieja imagen vulgar. Tengo que entrenarles para que tomen ese hábito.

P. Esas imágenes en particular, forman parte de un proyecto en concreto o fueron realizadas independientemente?

G. S. Las imágenes que aparecen en la SPL son parte del trabajo de toda una vida realizando fotografía Schlieren. Son, de echo, las que más se venden. Si buscas “schlieren” encontrarás todas las fotografías, tanto mías como de otros autores. Si buscas "gary+settles" aparecerán una selección de mis imágenes, justamente aquellas realizadas con nuestras instalaciones Schlieren de tamaño natural.

P. Porque el personaje principal en este grupo de imágenes es siempre el mismo? Quién es él?

G. S. Mis imágenes no tienen un personaje principal. Cuando aparece alguien, normalmente soy yo o mis estudiantes. El hombre que aparece en este grupo de imágenes es mi técnico, J.D. Miller.

P. Cual fue el parámetro que siguió para decidir que situación merecía ser fotografiada?

G. S. En la mayoría de esas imágenes estoy buscando fenómenos invisibles de la vida cotidiana, como la columna termal humana, la tos, la columna de una vela etc. En la fotografía científica a la gente le gusta ver puntos de vista diferentes sobre objetos y gente corriente.

P. Conoce a fotógrafos como Jeff Wall, Sophie Calle o Cindy Sherman? Si es así, ve alguna similitud entre sus trabajos y el suyo?

G. S. No tengo una afinidad con ninguno de los tres fotógrafos que ha mencionado, aunque en cada caso alguna de sus imágenes en particular puede decirme algo. Siento una afinidad mucho mas fuerte a Andy Goldsworthy, Andy Davidhazy, Peter Steehouwer, Clark Little, Kenneth Libretcht y Michael Davison.

P. Se sentiría cómodo colgando sus fotos en las paredes de un museo de arte o galería? Si la respuesta es no, porque? Si la respuesta es si, cree que podría surgir un conflicto entre los usos artísticos y científicos de las imágenes? 

G. S. Si, la mayoría de mis imágenes podrían pasar por arte abstracto o científico. Es intencionado. Y no, no hay conflicto.

P. Alguna vez ha recibido alguna oferta para publicar o mostrar su trabajo como piezas de arte?

G. S. Mis fotos has sido publicadas en varias ocasiones en revistas más por su aspecto artístico que por su contenido técnico. Pero nunca he tenido una exposición.

P. Puedes añadir cualquier idea o mensaje.
G. S. Mi hobby es la pintura al óleo, podeis ver una galería con mis cuadros aquí. Tambíen podeis ver una galería con más fotografías técnicas aquí.

Gary Settles: Para acabar yo tengo una pregunta para ti. Cuando me jubile de la universidad una opción es dedicar mi tiempo al arte y la fotografía. Como sugieres que debería proceder? 

Respuesta: Tengo que decir que ya me gustaría saber la respuesta para esa pregunta porque así podría utilizarla yo tambien. Solo puedo recomendarte lo que creo que podría funcionar... Lo primero, lo más obvio, sigue sacando fotos o al menos haz una cosa que podría ayudar a tu carrera todos y cada uno de los días. Después, en tu caso, te sugiero que edites tu archivo fotográfico, es decir, que elijas, descartes y ordenes tus fotografías para así poder crear y establecer el conjunto de tu obra. Escribir un texto conceptualizando tu trabajo o al menos pensando en cuales son las ideas básicas que lo unen podría ayudar en esto, incluso si una vez lo tengas escrito no lo quieras hacer público. A continuación, deberías mostrar tu trabajo, hazte una página web. Busca festivales, revisiones de portfolios, concursos, revistas, webs y blogs que te gusten y donde creas que tu trabajo pueda encajar. Participa y envia tu trabajo a todos esos sitios y muéstraselo también a tus contactos más cercanos. Y para acabar ser perseverante y disfrutar siempre sacando fotos. 

CINEMA AND PHOTOGRAPHY - CINE Y FOTOGRAFÍA

THANK YOU - MUCHAS GRACIAS

First of all, I want to thank all the people that shared enbruto, either via twitter or facebook and apologize for my English mistakes. The blog received over 1000 visits from all over the world in its first three public days. Thank you all! 

Antes de empezar con este nuevo post quiero dar las gracias a toda la gente que twitteó y compartió enbruto en su primer post público. El blog recibió más de 1000 visitas  de todo el mundo en sólo tres días, muchas gracias a todos!

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CINEMA AND PHOTOGRAPHY 
(bajar para versión en español) 

I wrote the sketch of the following text while I was working on a conference about photography and cinema that happened a month ago in Arteleku (Donostia - San Sebastián), within the Week of Strange Cinema organized by Mapa collective:

I’m sure that everybody will agree if I say that cinema is an expectable evolution from photography.   Nicephore Niepce invented a completely new technique in 1926, which was able to represent frozen instants from reality with an amazing mechanical ability really close to what we can see. Later on, some investigators wanted to go further, trying to represent not just a short lapse of time, but the movement and the passing of time as our eyes do. After many different and interesting attempts, they reached their goal sequencing those frozen images and projecting them on the right speed: cinema was invented around 50 years later.

Even if it is just for the technical point of view, the relationship between photography and cinema is necessary. That’s why the lack of serious investigations or essays about it seems strange to me. Focusing on their different uses and meanings, one of the first facts we have to clarify is that comparing cinema and photography to painting or sculpture, the first ones exist due to a few optical, chemical, electronic and mechanical phenomenon and not directly by the human hand. Photography represents whatever it is in front of us through some of those phenomenon and we only have to choose the most interesting part. On the other hand, the painter or the sculptor doesn’t have to start from his surrounding reality and on top of that, he is forced to create using much more physical and subjective ways, each time he applies a brush stroke or hits the stone with a hammer and chisel. Even though everybody does agree if I say that in both, cinema and photography, there is always subjectivity during the capture; nowadays, they are still considered the most truthful disciplines, keeping the quality of document. That’s why we can talk about documentary films or photography, while this attribute might sound strange if we apply it to painting or sculpture.

 

La Jetée by Chris Marker, 1962-63

A movie made by still images

Sleep by Andy Warhol, 1963 

A photo made by moving images

It is weird that even though cinema and photography have a common starting point, the documentary quality has gone through different paths. The moving image, including TV, has been much more successful in its history representing fiction instead of truth. Society links cinema to staging and entertainment rather than to the archive or the evidence. Meanwhile, photography today still keeps significant document uses such as the ID photo, scientific analysis or even space exploration record. It is difficult and interesting to me to try to explain why we associated the truth to the still image while the fiction to the moving one. Sometimes I feel like the sequenced multiplication that creates the optical illusion of the moving image, doesn’t let us stop and reflect on what we are really seeing. And maybe that’s why the message and the explanation have to be directed and twisted for a better digestion.  I see it as a waterfall of images that doesn’t let us stop on each tiny drop that each photography contains; small information details that at last are necessary to certify the truth of what we are seeing. The still image, in the other hand, allows the pause to make an analytic reading and at the same time adds a “suspended instant” quality. A feeling of a captured moment that will be everlasting, i.e., that never starts or ends, that just exists and lives in our memory. By contrast, the moving image will always have a starting point and an end by definition, because wherever the camera starts capturing images, it will be where our sensitive experience will start. Consequently, the right moment the camera stops capturing will certify the end of our experience as viewers. So, even though both mediums represent past instants or times, I think that the moving image has a stronger sense of the past, while photography looks like it will last in time.

I am one of those who think that this tendency is changing in the last years due to the technological revolution of the digital image. And I am not talking just about switching from silver halides to pixels; I am talking about the multimillionaire multiplication of captures by persons and machines, the infinite roaming and access to them, the revolutionary manipulation software, the integration of cameras in moving devices such as cell phones, etc. I think that all those technological advances have moved the pillars of both mediums and I am getting the feeling that they have switched their meanings. I would say that the simplification, the easy access and the saturation of digital and analogical photography retouching have created an everlasting reasonable doubt about the true origin of any still image. While on the other hand, the raw, direct and low-res aspect of the moving image has enforced its qualities as the true representation of the reality.

Hiroshi Sugimoto, Theaters, Hollywood Cinerama, Los Angeles, 2003

Hiroshi Sugimoto, Theaters, Canton Palace, Ohio, 1980

Many years have already past since postmodernism appeared in the artistic photography scene claiming for the staged use of the medium. Since, let’s say Cindy Sherman, who is one of the most commonly used postmodern photographer example, the fictional still image has been understood, accepted and valued, inside and outside the artistic photography world. I want to make it clear that I am no saying that she was the first one doing it. In fact, it is known that one of the photography process pioneers, Hippolite Bayard, made the first staged photo already in 1840. By that time, he showed his anger against the French Government because of the lack of attention and reward he got in comparison to Daguerre and his Daguerrotype when he presented his new photographical process discovery. My reasoning is that until the arrival of the post modernity, the staging as Jeff Wall can use it on his work; it was never used as the center of the photographical message. Meaning that only 40 or 50 years have pasted since photography started to claim for his staged status, a fact which today it is still difficult to digest for some.

Going back to cinema, I have to admit that I don’t have enough knowledge of the medium to make a deep analysis. However, as a simple cinemagoer I have the sense that there has been a turn just in the other way. I am not saying that Hollywood super productions are on decay; I mean that a new film documentary scene has been created over the last years, even arriving to the big commercial screens, something completely unthinkable a few years ago. Although, as I said before, this is just a feeling of a simple cinemagoer.

Summarizing, I think that we live in a really interesting moment in time where both photography and cinema, which were born together, are crossing their ways heading to new and unexplored objectives.
 

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CINE Y FOTOGRAFIA

Escribí el esquema del texto que viene a continuación para preparar una presentación que tuve el gusto de dar en el centro de arte Arteleku de Donosti, dentro de la Semana de Cine Raro organizada por el colectivo Mapa:

Estoy seguro de que todo el mundo estará de acuerdo si digo que el cine surgió como una evolución natural de la fotografía. La fotografía consiguió de la mano de Nicephore Niepce en 1926 representar instantes congelados de la realidad con una perfección mecánica asombrosamente parecida a nuestra manera de percibirla. Más tarde se quiso ir más allá de esos meros instantes y se quiso representar el movimiento y el paso del tiempo tal y como nuestros ojos lo ven. Después de muchos y muy interesantes intentos, se consiguió colocando una sucesión de imágenes capturadas en secuencia y proyectadas a una velocidad concreta: el cine, unos 50 años más tarde.

Aunque sea sólo por el punto de vista técnico, la relación entre ambos medios es necesaria, por lo que es extraño que a día de hoy no se haya investigado más y mejor sobre esta relación y sus múltiples interpretaciones. Centrándonos en sus usos y significados,  una de las reflexiones más interesantes es el hecho de que tanto el cine como la fotografía, a diferencia de la pintura o la escultura, existen a partir de fenómenos ópticos y mecánicos, y no de técnicas o usos de la mano del hombre. La fotografía representa aquello que tenemos frente a nuestros ojos directamente por medio de un fenómeno óptico/químico/mecánico/electrónico donde el autor simplemente elige aquella parte del todo que cree que resulta interesante. El pintor o escultor por el contrario no tiene que partir de aquello que le rodea y además la interpreta de una manera muchísimo más subjetiva y física cada vez que da un brochazo con el pincel o golpea con el matillo y el cincel. Y aunque hay que admitir que tanto en el cine como en la fotografía existe la subjetividad en la captura, aún hoy se les considera medios más verídicos, conservando todavía la categoría de documento. Es por eso que existen los documentales o la fotografía documental, mientras que en las artes gráficas, en la escultura o en la pintura esas son categorías casi inexistentes.

 La Jetée de Chris Marker, 1962-63

Una película hecha con imágenes fijas

Sleep de Andy Warhol, 1963 
Una foto hecha con imágenes en movimiento

Curiosamente y a pesar de ese punto de partida común de la fotografía y el cine, la cualidad documental de la imagen ha seguido caminos aparentemente diferentes en cada uno de los dos medios. La imagen en movimiento, y también incluyo a la televisión en esto, ha tenido mucho más éxito a lo largo de su historia representando la ficción que documentando la verdad. La sociedad vincula la imagen en movimiento a la escenificación y al entretenimiento en vez de al archivo o la prueba.  Mientras que la fotografía conserva aún hoy usos documentales tan importantes como los de la representación de la identidad en el DNI, el de el análisis científico, o el de el documento de exploración espacial entre otros. Es complicado e interesante explicar porque hemos asociado durante tanto tiempo la veracidad a la imagen fija y la ficción a la que está en movimiento. A veces me da la sensación de que la multiplicación y secuenciación de fotografías que crea la ilusión óptica de la imagen en movimiento, no nos deja pararnos a pensar y reflexionar sobre aquello que estamos viendo, y por eso su mensaje y explicación tiene que estar dirigido y tergiversado para una mejor digestión. Como si esa cascada de imágenes no nos dejase detenernos en los finísimos detalles que tiene la fotografía que serán los que, a la postre, nos darán la sensación definitiva de que aquello es que vemos es verdad. La imagen fija si que permite esa pausa y lectura analítica que además le suma una cualidad de “instante sostenido”, de momento capturado que durará hasta la eternidad, que ni empieza ni acaba, sino que simplemente existe y perdura en nuestra memoria. La imagen en movimiento sin embargo siempre tendrá un inicio y un final por definición. Allá donde la cámara empezó a capturar las imágenes es donde empieza nuestra experiencia sensitiva y en el momento el que el autor dejó de grabar o filmar, será el que certifique el final. Así que a pesar de que ambos medios representan instantes o tiempos pasados, creo que la imagen en movimiento tiene vinculada una connotación aún más fuerte en ese sentido, ya que representa algo acabado y finito, mientras que la fotografía aparenta perdurar en el tiempo.

Pero soy de los que creen que esa tendencia esta cambiando en los últimos años, debido seguramente a la revolución tecnológica de la imagen digital. Y no hablo simplemente de haber intercambiado los haluros de plata por los pixeles; hablo de la multiplicación multimillonaria del número de capturas por parte tanto de personas como de máquinas, de la itinerancia y acceso aparentemente infinito a las mismas, de la integración de las cámaras en dispositivos móviles, de los  revolucionarios softwares de manipulación... Todos esos avances han removido los pilares que dan sentido a ambos medios y a veces, me da la sensación de que han invertido sus significados. Diría que de alguna manera la simplificación, el fácil acceso y la sobre utilización del retoque tanto analógico como digital de la fotografía ha creado una duda razonable perpetua sobre el verdadero origen de cualquier imagen fija. Mientras que el aspecto crudo, directo y de baja resolución de la imagen en movimiento por el contrario, ha reforzado sus cualidades de representación objetivo de la realidad.

 Hiroshi Sugimoto, Theaters, Hollywood Cinerama, Los Angeles, 2003

 Hiroshi Sugimoto, Theaters, Canton Palace, Ohio, 1980

En el mundo de la fotografía, ya hace unos cuantos años que apareció la postmodernidad y reivindicó un uso ficcionado de la fotografía. Desde, más o menos Cindy Sherman, por poner el ejemplo más clásico y conocido, que la fotografía de ficción ha sido entendida, aceptada y valorada, tanto dentro como fuera del mundo de la fotografía artística. No estoy diciendo que nunca antes nadie realizase foto-ficción, de hecho es muy conocido que uno de los pioneros de la fotografía, Hippolite Bayard, realizó la primera escenificación fotográfica como protesta en 1840 por el la nula repercusión y recompensa que tuvo su invención de un nuevo proceso fotográfico frente al daguerrotipo. Mi razonamiento es que hasta la llegada del postmodernidad, la escenificación tal y como la puede trabajar también Jeff Wall, no se convierte en el centro del mensaje fotográfico. Es decir, que desde hace solo unos 40-50 años que la fotografía no reivindica desde el ámbito artístico su estatus y ambición de convertirse en un medio de ficción, una postura que para algunos todavía está siendo complicada de digerir.

En cuanto a la imagen en movimiento, he de reconocer que no poseo de los conocimientos necesarios para realizar un análisis profundo, pero como simple y llano espectador creo percibir un giro justo hacia el lado contrario, donde, sin dejar de lado las grandes superproducciones de ficción, los documentales han ganado un terreno importante en el gran público llegando a ser proyectados incluso en las grandes salas comerciales, algo impensable hace poco años. Aunque como decía anteriormente, esta es simplemente la sensación que tiene un simple aficionado al mundo del cine.

Resumiendo, decir que creo que vivimos un muy interesante momento en el que ambos medios, unidos desde su nacimiento, cruzan sus caminos y se dirigen hacia nuevos e inexplorados objetivos.