First of all, I want to thank all the people that shared enbruto, either via twitter or facebook and apologize for my English mistakes. The blog received over 1000 visits from all over the world in its first three public days. Thank you all! 

Antes de empezar con este nuevo post quiero dar las gracias a toda la gente que twitteó y compartió enbruto en su primer post público. El blog recibió más de 1000 visitas  de todo el mundo en sólo tres días, muchas gracias a todos!

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(bajar para versión en español) 

I wrote the sketch of the following text while I was working on a conference about photography and cinema that happened a month ago in Arteleku (Donostia - San Sebastián), within the Week of Strange Cinema organized by Mapa collective:

I’m sure that everybody will agree if I say that cinema is an expectable evolution from photography.   Nicephore Niepce invented a completely new technique in 1926, which was able to represent frozen instants from reality with an amazing mechanical ability really close to what we can see. Later on, some investigators wanted to go further, trying to represent not just a short lapse of time, but the movement and the passing of time as our eyes do. After many different and interesting attempts, they reached their goal sequencing those frozen images and projecting them on the right speed: cinema was invented around 50 years later.

Even if it is just for the technical point of view, the relationship between photography and cinema is necessary. That’s why the lack of serious investigations or essays about it seems strange to me. Focusing on their different uses and meanings, one of the first facts we have to clarify is that comparing cinema and photography to painting or sculpture, the first ones exist due to a few optical, chemical, electronic and mechanical phenomenon and not directly by the human hand. Photography represents whatever it is in front of us through some of those phenomenon and we only have to choose the most interesting part. On the other hand, the painter or the sculptor doesn’t have to start from his surrounding reality and on top of that, he is forced to create using much more physical and subjective ways, each time he applies a brush stroke or hits the stone with a hammer and chisel. Even though everybody does agree if I say that in both, cinema and photography, there is always subjectivity during the capture; nowadays, they are still considered the most truthful disciplines, keeping the quality of document. That’s why we can talk about documentary films or photography, while this attribute might sound strange if we apply it to painting or sculpture.

La Jetée by Chris Marker, 1962-63
A movie made by still images

Sleep by Andy Warhol, 1963 
A photo made by moving images

It is weird that even though cinema and photography have a common starting point, the documentary quality has gone through different paths. The moving image, including TV, has been much more successful in its history representing fiction instead of truth. Society links cinema to staging and entertainment rather than to the archive or the evidence. Meanwhile, photography today still keeps significant document uses such as the ID photo, scientific analysis or even space exploration record. It is difficult and interesting to me to try to explain why we associated the truth to the still image while the fiction to the moving one. Sometimes I feel like the sequenced multiplication that creates the optical illusion of the moving image, doesn’t let us stop and reflect on what we are really seeing. And maybe that’s why the message and the explanation have to be directed and twisted for a better digestion.  I see it as a waterfall of images that doesn’t let us stop on each tiny drop that each photography contains; small information details that at last are necessary to certify the truth of what we are seeing. The still image, in the other hand, allows the pause to make an analytic reading and at the same time adds a “suspended instant” quality. A feeling of a captured moment that will be everlasting, i.e., that never starts or ends, that just exists and lives in our memory. By contrast, the moving image will always have a starting point and an end by definition, because wherever the camera starts capturing images, it will be where our sensitive experience will start. Consequently, the right moment the camera stops capturing will certify the end of our experience as viewers. So, even though both mediums represent past instants or times, I think that the moving image has a stronger sense of the past, while photography looks like it will last in time.

I am one of those who think that this tendency is changing in the last years due to the technological revolution of the digital image. And I am not talking just about switching from silver halides to pixels; I am talking about the multimillionaire multiplication of captures by persons and machines, the infinite roaming and access to them, the revolutionary manipulation software, the integration of cameras in moving devices such as cell phones, etc. I think that all those technological advances have moved the pillars of both mediums and I am getting the feeling that they have switched their meanings. I would say that the simplification, the easy access and the saturation of digital and analogical photography retouching have created an everlasting reasonable doubt about the true origin of any still image. While on the other hand, the raw, direct and low-res aspect of the moving image has enforced its qualities as the true representation of the reality.

Hiroshi Sugimoto, Theaters, Hollywood Cinerama, Los Angeles, 2003

Hiroshi Sugimoto, Theaters, Canton Palace, Ohio, 1980

Many years have already past since postmodernism appeared in the artistic photography scene claiming for the staged use of the medium. Since, let’s say Cindy Sherman, who is one of the most commonly used postmodern photographer example, the fictional still image has been understood, accepted and valued, inside and outside the artistic photography world. I want to make it clear that I am no saying that she was the first one doing it. In fact, it is known that one of the photography process pioneers, Hippolite Bayard, made the first staged photo already in 1840. By that time, he showed his anger against the French Government because of the lack of attention and reward he got in comparison to Daguerre and his Daguerrotype when he presented his new photographical process discovery. My reasoning is that until the arrival of the post modernity, the staging as Jeff Wall can use it on his work; it was never used as the center of the photographical message. Meaning that only 40 or 50 years have pasted since photography started to claim for his staged status, a fact which today it is still difficult to digest for some.

Going back to cinema, I have to admit that I don’t have enough knowledge of the medium to make a deep analysis. However, as a simple cinemagoer I have the sense that there has been a turn just in the other way. I am not saying that Hollywood super productions are on decay; I mean that a new film documentary scene has been created over the last years, even arriving to the big commercial screens, something completely unthinkable a few years ago. Although, as I said before, this is just a feeling of a simple cinemagoer.

Summarizing, I think that we live in a really interesting moment in time where both photography and cinema, which were born together, are crossing their ways heading to new and unexplored objectives.

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Escribí el esquema del texto que viene a continuación para preparar una presentación que tuve el gusto de dar en el centro de arte Arteleku de Donosti, dentro de la Semana de Cine Raro organizada por el colectivo Mapa:

Estoy seguro de que todo el mundo estará de acuerdo si digo que el cine surgió como una evolución natural de la fotografía. La fotografía consiguió de la mano de Nicephore Niepce en 1926 representar instantes congelados de la realidad con una perfección mecánica asombrosamente parecida a nuestra manera de percibirla. Más tarde se quiso ir más allá de esos meros instantes y se quiso representar el movimiento y el paso del tiempo tal y como nuestros ojos lo ven. Después de muchos y muy interesantes intentos, se consiguió colocando una sucesión de imágenes capturadas en secuencia y proyectadas a una velocidad concreta: el cine, unos 50 años más tarde.

Aunque sea sólo por el punto de vista técnico, la relación entre ambos medios es necesaria, por lo que es extraño que a día de hoy no se haya investigado más y mejor sobre esta relación y sus múltiples interpretaciones. Centrándonos en sus usos y significados,  una de las reflexiones más interesantes es el hecho de que tanto el cine como la fotografía, a diferencia de la pintura o la escultura, existen a partir de fenómenos ópticos y mecánicos, y no de técnicas o usos de la mano del hombre. La fotografía representa aquello que tenemos frente a nuestros ojos directamente por medio de un fenómeno óptico/químico/mecánico/electrónico donde el autor simplemente elige aquella parte del todo que cree que resulta interesante. El pintor o escultor por el contrario no tiene que partir de aquello que le rodea y además la interpreta de una manera muchísimo más subjetiva y física cada vez que da un brochazo con el pincel o golpea con el matillo y el cincel. Y aunque hay que admitir que tanto en el cine como en la fotografía existe la subjetividad en la captura, aún hoy se les considera medios más verídicos, conservando todavía la categoría de documento. Es por eso que existen los documentales o la fotografía documental, mientras que en las artes gráficas, en la escultura o en la pintura esas son categorías casi inexistentes.

 La Jetée de Chris Marker, 1962-63
Una película hecha con imágenes fijas

Sleep de Andy Warhol, 1963 
Una foto hecha con imágenes en movimiento

Curiosamente y a pesar de ese punto de partida común de la fotografía y el cine, la cualidad documental de la imagen ha seguido caminos aparentemente diferentes en cada uno de los dos medios. La imagen en movimiento, y también incluyo a la televisión en esto, ha tenido mucho más éxito a lo largo de su historia representando la ficción que documentando la verdad. La sociedad vincula la imagen en movimiento a la escenificación y al entretenimiento en vez de al archivo o la prueba.  Mientras que la fotografía conserva aún hoy usos documentales tan importantes como los de la representación de la identidad en el DNI, el de el análisis científico, o el de el documento de exploración espacial entre otros. Es complicado e interesante explicar porque hemos asociado durante tanto tiempo la veracidad a la imagen fija y la ficción a la que está en movimiento. A veces me da la sensación de que la multiplicación y secuenciación de fotografías que crea la ilusión óptica de la imagen en movimiento, no nos deja pararnos a pensar y reflexionar sobre aquello que estamos viendo, y por eso su mensaje y explicación tiene que estar dirigido y tergiversado para una mejor digestión. Como si esa cascada de imágenes no nos dejase detenernos en los finísimos detalles que tiene la fotografía que serán los que, a la postre, nos darán la sensación definitiva de que aquello es que vemos es verdad. La imagen fija si que permite esa pausa y lectura analítica que además le suma una cualidad de “instante sostenido”, de momento capturado que durará hasta la eternidad, que ni empieza ni acaba, sino que simplemente existe y perdura en nuestra memoria. La imagen en movimiento sin embargo siempre tendrá un inicio y un final por definición. Allá donde la cámara empezó a capturar las imágenes es donde empieza nuestra experiencia sensitiva y en el momento el que el autor dejó de grabar o filmar, será el que certifique el final. Así que a pesar de que ambos medios representan instantes o tiempos pasados, creo que la imagen en movimiento tiene vinculada una connotación aún más fuerte en ese sentido, ya que representa algo acabado y finito, mientras que la fotografía aparenta perdurar en el tiempo.

Pero soy de los que creen que esa tendencia esta cambiando en los últimos años, debido seguramente a la revolución tecnológica de la imagen digital. Y no hablo simplemente de haber intercambiado los haluros de plata por los pixeles; hablo de la multiplicación multimillonaria del número de capturas por parte tanto de personas como de máquinas, de la itinerancia y acceso aparentemente infinito a las mismas, de la integración de las cámaras en dispositivos móviles, de los  revolucionarios softwares de manipulación... Todos esos avances han removido los pilares que dan sentido a ambos medios y a veces, me da la sensación de que han invertido sus significados. Diría que de alguna manera la simplificación, el fácil acceso y la sobre utilización del retoque tanto analógico como digital de la fotografía ha creado una duda razonable perpetua sobre el verdadero origen de cualquier imagen fija. Mientras que el aspecto crudo, directo y de baja resolución de la imagen en movimiento por el contrario, ha reforzado sus cualidades de representación objetivo de la realidad.

 Hiroshi Sugimoto, Theaters, Hollywood Cinerama, Los Angeles, 2003

 Hiroshi Sugimoto, Theaters, Canton Palace, Ohio, 1980

En el mundo de la fotografía, ya hace unos cuantos años que apareció la postmodernidad y reivindicó un uso ficcionado de la fotografía. Desde, más o menos Cindy Sherman, por poner el ejemplo más clásico y conocido, que la fotografía de ficción ha sido entendida, aceptada y valorada, tanto dentro como fuera del mundo de la fotografía artística. No estoy diciendo que nunca antes nadie realizase foto-ficción, de hecho es muy conocido que uno de los pioneros de la fotografía, Hippolite Bayard, realizó la primera escenificación fotográfica como protesta en 1840 por el la nula repercusión y recompensa que tuvo su invención de un nuevo proceso fotográfico frente al daguerrotipo. Mi razonamiento es que hasta la llegada del postmodernidad, la escenificación tal y como la puede trabajar también Jeff Wall, no se convierte en el centro del mensaje fotográfico. Es decir, que desde hace solo unos 40-50 años que la fotografía no reivindica desde el ámbito artístico su estatus y ambición de convertirse en un medio de ficción, una postura que para algunos todavía está siendo complicada de digerir.

En cuanto a la imagen en movimiento, he de reconocer que no poseo de los conocimientos necesarios para realizar un análisis profundo, pero como simple y llano espectador creo percibir un giro justo hacia el lado contrario, donde, sin dejar de lado las grandes superproducciones de ficción, los documentales han ganado un terreno importante en el gran público llegando a ser proyectados incluso en las grandes salas comerciales, algo impensable hace poco años. Aunque como decía anteriormente, esta es simplemente la sensación que tiene un simple aficionado al mundo del cine.

Resumiendo, decir que creo que vivimos un muy interesante momento en el que ambos medios, unidos desde su nacimiento, cruzan sus caminos y se dirigen hacia nuevos e inexplorados objetivos.

ABOUT THE NEW SPANISH PHOTO-BOOK SCENE (bajar para versión en español)

The celebration of Book In Progress last Saturday June 17th in Madrid is the perfect excuse to talk about a new movement that is also growing in Spain. A few months ago I was lucky enough to be present at a conference that ended being something like the first meeting of the new self-published photo-book scene in Spain (or at least in Madrid). It was originally announced as a conference by Ricardo Cases talking about his photo-books at La Piscifactoría, but it finally became in a truly interesting talk between photographers, publishers, online distributors and printers. Ricardo Cases, who is one of the most prominent documentary photographers in Spain, editor of Fiesta Ediciones and member of Blankpaper Collective, acted as the host. There was also Iñaki Domingo, who is member of Nophoto Collective, Coordinator of Publications of Ivory Press — where artist-books and magazines as CPhoto Magazine are published — and founder of 30y3, which is one the most interesting websites about Spanish contemporary photography. Carlos Spottorno appeared too, a well-known and established photographer who talked about the process and the fight to publish his book, China Western. There were the founders of the just released Spanish online self-published photo-book distribution website, Dalpine; Gonzalo Romero, from the artist book publishing house Siete de un Golpe and a few young and promising photographers such as Federico Clavarino, Fernando Durán or Alberto Feijóo.

We talked about the past, the present and the future of the photo-books in Spain. We talked about older generations of photographers who didn’t have access to international photo-books and how that fact had a lot to say in why it took so long to start making good books here. If anybody ever starts a serious investigation looking for nice and well done photo-books in Spain before, during or after the Civil War, I would be really happy if that investigation won't start and end on José Ortiz-Echagüe's Tipos y Trajes (which in fact was published in Germany and not in Spain) or on the Palabra e Imagen (Word and Image) collection that Lumen publishers made on the 60s. This books integrated texts by writers such as, Nobel Prize winners Mario Vargas Llosa and Camilo José Cela, with photographs by Oriol Maspons in Toreo de Salon or Joan Colom in Izas, Rabizas y Colipoterras. Those were really nice ones, but as we sadly recognized during that meeting, those were almost the only nice ones of our photo history until the 90s. The Spanish Civil War, Franco’s dictatorship and the consequent censure had a lot say on that lack of nicely published photo-books, as well as in many other much more relevant rights and freedoms in Spain. Happily, Franco’s dictatorship ended years ago and young photographers generations of today have had the possibility to know and study necessary books as, let’s say The Pencil of Nature by Henry Fox Talbot or Walker Evans’s American Photographs. Later on, a few good Spanish photo-books have been published, such as Joan Fontcuberta’s Fauna or Sputnik or that sutil and well done book about the Sunday picnics at the suburbs of Barcelona by Xabier Rivas. It is the sign that something is definitely changing. I already start to see that lovely craziness about photo-books in many people around me, which is really important because if we want to make and sell books, be sure that we also need people to buy them.

Fontcuberta's Sputnik book cover

Turning back to the meeting, once everybody agreed on why Spain is one of the latest European countries coming up on the photo-book scene, the conversation moved on to how to cut out that difference. Someone pointed the new and cheaper ways of printing, as the so-called digital offset, which looks like a new method to safe money without loosing quality. Cases showed us their FiestaFiesta fanzines digitally printed, and I have to say that they looked really good. Someone mentioned that the quality in this technique depends on the printing company that you work with and, specially, on the willingness of the workers to do it well. On-demand printing became also a topic, as the advantages of not being forced to print a limited number of copies and storage them are definitely worthwhile. Later on, we also talked about using more expensive techniques as ink-jet printers with photographic paper or even offset printing, and why and how many more units are worth it to print. Spottorno, Domingo and Cases showed us dummies of their published and un-published books. Spottorno explained his particular journey visiting established editorials. He told us that at the beginning, any of the big publishers were interested in printing his book because they said that they were going to lose money. But he didn’t give up and finally, after paying the whole production of the book out of his pocket, he published his photo-book China Western through one of those big companies in exchange for international worldwide distribution and a few none obligatory advises regarding the title, the size and the editing of his images.

That international distribution, I believe, has to be one of the main goals of our photographers if we really want to be known and seen out there. And even if it is OK to me if someone wants to pay the production of his book to get international distribution in exchange, I think that we also have to take advantage of what internet has created: independent online distribution. And that’s why this new Spanish book publishing and distributing websites like Dalpine, Atem Books, Kitschic or Belleza Infinita are so important because they offer that new, easier and much cheaper way to communicate and deliver Spanish books around the world. And although I agreed with Alec Soth when he complained about the lack of information about art and photo-books in the mass-media — he specifically wrote about the coverage of the New York Art Book Fair by the New York Times on his Open Letter to the New York Times Book Review — nobody can deny that the online scene, the quantity of published books and the access to them has grown a lot all over the world last years. In fact, and even though they didn’t say a word in the whole text about art-books in particular, the New York Times Magazine itself published an article — The Rise of the Self-Publishing — by Virginia Hefferman on April 30th of 2010 pointing the increase of self-publishing “(…) Last year, according to the Bowker Bibliographic Company, 764,448 titles were produced by self-publishers and so-called micro niche publishers. This is up an astonishing 181 percent from the previous year. Compare this enormous figure with the number of so-called traditional titles — books with the imprimatur of places like Random House — published that same year: a mere 288,355 (down from 289,729 the year before). Book publishing is simply becoming self-publishing. (…)” The good news for us, Spaniards, is that this is starting to happen here in Spain too. We are on the same starting line now, so we have the chance to definitely step forward on the international photo-book scene.

Eloi Gimeno’s self-published Helsinki, selected as 1 of the 10 best photo-books of 2010 by
Morten Andersen, Photo Eye Magazine

That’s why I think that that meeting months ago was so important because some of the people that loves and believes in making books got to know each other. We had heard our names before that meeting, but it was the first time when part of the tiny self-published photo-book scene actually met. I felt like being present at the beginning of something that I hope that will become strong and influential in a short time. Because although the interest for photo-books can be something relatively new in Spain, I think that everybody who was there felt that we are living in a time when this is going to change. Everybody knows that the three or four major photo-book publishers in Spain will never risk a penny making a book of a new or unknown photographer; we have heard it directly from them many times. And I don’t blame them, even if I’m sure that they took risks when they started publishing, I also understand that they slowly became too scared to put the whole publishing house and the jobs of the workers in danger just to make some beautiful books of unknown photographers which will take forever to sell. But I also have to say that in that conservative way of publishing books, they are loosing opportunities that new technological advances have created. Luckily, new photo-book lover generations, as the ones who went to that meeting, did realize about those opportunities. And, as I said before, we did have the access to learn what and how a great photo-book has to be, and we even might want to publish one sometime. And even if we know that we won't get our book published in one of those mayor-publishing companies, on that meeting we realized that we are really lucky to live in a time when cheaper printing, editing and distributing processes are available. This is also unique occasion where upcoming generations, who have to be the ones enlarging the market, are receiving and growing with that love for photo-books.

And that’s why this meeting was so encouraging because the ones who were there realized that there is a new photo-book scene right now. And they even kept on working together and created The Book In Progress meeting that happened last saturday in Madrid. Where they succeeded in their willingness to enlarge the net between photographers, publishers and readers of the growing Spanish photo-book scene, making possible that Spanish photographers who really want to make, self-publish, distribute and sell their own photo-books, have the opportunity to do it. And I am sure that they will.

And if you let me become even a little more dreamy, it might arrive a time when a photo-book will be just a photo-book regardless of who or where was it published, and the term “self-published” will be useless. And then the book itself will get the absolute importance that it always should have gotten.

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La celebración del Book In Progress el pasado 17 de junio en Madrid es la excusa perfecta para hablar del gran interés global en los libros de fotografía que está naciendo también en España. Hace ya unos cuantos meses tuve la suerte de asistir a una conferencia que acabó convirtiéndose en algo así como en la primera reunión de la nueva escena de libros de fotografía autoeditados en España (o al menos en Madrid). El acto estaba anunciado como una presentación a cargo de Ricardo Cases para hablar de sus libros en La Piscifactoría, pero se convirtió en una muy interesante charla entre fotógrafos, impresores, distribuidores online y editores.

Ricardo Cases, uno de los más destacados fotógrafos del momento, creador de Fiesta Ediciones y miembro del colectivo Blankpaper, actuó como anfitrión. También estaba Iñaki Domingo, miembro del colectivo Nophoto, coordinador de publicaciones de Ivory Press (editorial responsable de CPhoto Magazine y unos cuantos libros de artista) y coautor de 30y3, que es una de las más interesantes webs en cuanto a fotografía española contemporánea se refiere. Carlos Spottorno también apareció, conocido fotógrafo que compartió con nosotros el proceso y la pelea para conseguir publicar su libro China Western. Estuvieron los fundadores de Dalpine, la joven distribuidora online; Gonzalo Romero, de la editorial de libros de artista Siete de un Golpe y unos cuantos de los más jóvenes y prometedores fotógrafos (y amigos) como Fernando Durán, Federico Clavarino o Alberto Feijóo.

Estuvimos hablando sobre el pasado, presente y futuro de los libros de fotografía en España. Sobre como y porque las anteriores generaciones de fotógrafos no tuvieron acceso a libros internacionales y cuanto influyó aquello a que en España no se publicasen apenas foto-libros. Últimamente he recuperado la ilusión y la esperanza en que algunos libros fueron publicados y que esperan a que un documentalista o investigador los encuentre en algún archivo o biblioteca bajo toneladas de polvo. Pero también he de reconocer que si alguien se embarcase en una investigación seria sobre la publicación de libros de fotografía en España antes, durante y después de la Guerra Civil Española hasta, digamos, el final de la transición, estaría muy contento si me descubriesen buenos libros más allá de los "Tipos y Trajes" de José Ortiz-Echagüe que vio la luz en 1930 (pero que para ser exactos fue publicado en Alemania y no en España) o la colección "Palabra e Imagen" que la editorial Lumen publicó en los 60. Aquellos volúmenes integraron texto de escritores como los premios novel Mario Vargas Llosa y Camilo José Cela con fotografías de Oriol Maspons en "Toreo de Salón" o Joan Colom en "Izas, Rabizas y Colipoterras". Fueron grandes libros pero, aunque me encantaría equivocarme, creo que hasta casi entrados los noventa son los únicos libros españoles que merecerían ser nombrados. La Guerra Civil y la censura propia de la dictadura posterior tienen mucho que ver en la falta de publicaciones de calidad, al mismo tiempo que en otros y mucho más importantes aspectos relativos a los derechos y las libertades de la sociedad española de aquella época. Felizmente la dictadura acabó hace ya mucho tiempo y los fotógrafos de hoy en día tienen la posibilidad de conocer libros de estudio obligatorio como podrían ser "The Pencil of Nature" de Henry Fox Talbot o "American Photographs" de Walker Evans. También hay que resaltar que tras la transición algunos pocos pero reseñables libros empezaron a ser publicados e incluso autopublicados. Como por ejemplo "Sputnik" o "Fauna
", de Joan Fontcuberta o el libro de Xabier Rivas sobre el extrarradio dominguero de Barcelona. Son libros que aparecieron ya a principios de los 90 y hay que considerarlos como un tímido primer paso que dejaba entrever que algo estaba empezando a cambiar. Y desde entonces, gracias a esos primeros aventureros y a la accesibilidad a la información vía Internet, esa rara enfermedad y adicción a los libros de fotografía se ha ido contagiando a mucha gente joven de mi alrededor. Y ese es justo el hecho más importante, ya que si queremos editar, publicar y vender libros de fotografía, también necesitamos gente que los compre.

Portada del libro Sputnik de Joan Fontcuberta

Volviendo a aquella reunión, una vez todo el mundo estuvo de acuerdo en porqué España ha sido uno de los últimos países en aparecer en la escena internacional de foto-libros, la conversación se enfocó en como acortar esa distancia. Alguien habló de las nuevas y mucho más baratas técnicas de impresión; de la impresión digital y de las buenas calidades que se pueden conseguir con este proceso reduciendo mucho los costes en comparación al offset. Ricardo Cases nos enseñó su fanzine FiestaFiesta impreso en digital y demostró la buena calidad que se puede conseguir. Hablamos de cuán importante es la relación con el impresor y de lo imprescindible que es la paciencia y la predisposición a realizar un buen trabajo por parte de los trabajadores de las imprentas. Las nuevas ediciones "bajo demanda" también surgieron en la conversación, destacando la ventaja que supone no estar atado a un tiraje cerrado y no necesitar de un espacio donde almacenar el stock. También se habló de procesos de mayor calidad y costes que irían desde la impresión con impresoras inkjet y encuadernación artesanal o incluso la impresión en offset y las implicaciones que tiene este proceso de impresión en cuanto al número de copias y costes. Spottorno, Cases y Domingo trajeron maquetas de sus libros tanto publicados como inéditos. Spottorno nos explicó su particular odisea visitando a las grandes editoriales y como al principio ninguna de ellas quiso apostar por su libro, argumentando que iban a perder dinero. Nos contó que no se dio por vencido y tras pagar la producción de su bolsillo, finalmente consiguió publicar su libro China Western a través de una las mayores de editoriales de fotografía a cambio de distribución internacional y algunos consejos (que no órdenes) sobre el formato, la edición de las imágenes o incluso el título.

Esa distribución internacional tiene que ser uno de los más importantes objetivos para nuestros fotógrafos si realmente queremos ser conocidos y que nuestro trabajo se vea también fuera de nuestras fronteras. Y aunque me parece un camino totalmente lícito y realista que un fotógrafo pague la producción de su libro de su bolsillo a cambio de distribución internacional en tiendas, también creo que tenemos que aprovechar lo que Internet ha permitido: la distribución online independiente. Y es por eso que creo que las nuevas distribuidoras online independientes como Dalpine, Atem Books, Kitschic o Bellez Infinita son tan importantes, porque ofrecen una opción mucho más fácil, directa e incluso barata para vender y publicitar libros de fotografía españoles en todo el mundo. Y aunque estoy de acuerdo con el gurú internacional de los foto-libros Alec Soth cuando se quejó de la falta de interés por parte de los grandes medios de comunicación sobre los libros de arte y de fotografía (él se dirigió en concreto a la cobertura que hizo el New York Times sobre la New York Art Book Fair en su "Carta abierta al New York Times Book Review"), nadie puede negar que la escena online, la cantidad de libros publicados y el acceso a ellos ha crecido muchísimo en los últimos años. De hecho, y aunque no dedica ni una sola palabra a los libros de arte ni de fotografía en todo el texto, el propio Magazine del Times publicó un artículo escrito por Virginia Hefferman en abril de 2010 sobre la auge de la autoedición "(...) Según la Bowker Bibliographic Company, el año pasado 764,448 títulos fueron producidos por sus propios autores o las llamadas micro-editoriales. Esto supone un espectacular aumento del 181% en comparación con el año anterior. Si comparamos estos números con los de la edición tradicional publicados en el mismo año, veremos que sólo se publicaron 288,355 de estos libros (en comparación de los 289,729 del año anterior). La publicación de libros se está convirtiendo simplemente en autopublicación. (...)" Las buenas noticias para nosotros, son que este fenómeno también está sucediendo aquí. Estamos en la misma línea de salida y tenemos la posibilidad de dar un paso adelante y ser parte importante de la escena de libros de fotografía internacional.

Helsinki, el libro autoeditado por Eloi Gimeno, elegido uno de los 10 mejores libros de fotografía
por Morten Andersen, Photo Eye 2010

Es por eso que creo que aquella reunión de hace unos meses fue tan importante, porque fue la que consiguió que algunos de todos los que nos vuelven locos los libros de fotografía y creemos en sus posibilidades tanto artísticas como comerciales nos pudiéramos conocer. Seguramente nuestros nombres nos sonaban antes de aquel encuentro pero aquella fue la primera vez en la que parte de la escena de libros de fotografía independiente nos pusimos cara. Y, a riesgo de ser demasiado romántico, he de decir que me dio la sensación de estar presenciando el nacimiento de algo muy importante que espero que sea fuerte y duradero. Porque aunque la publicación independiente de foto-libros es algo nuevo en España, los que estábamos allí creemos que eso va a cambiar. Sabemos que las dos o tres grandes editoriales que publican libros de fotografía no arriesgarán un duro haciendo un libro de un fotógrafo joven ni poco conocido, lo hemos oído directamente de ellos. Y no los culpo, aunque estoy seguro de que corrieron riesgos cuando empezaron sus editoriales, también entiendo que al mismo tiempo que crecían transformándose en grandes empresas, el temor a exponer toda la casa editorial y el empleo de sus trabajadores sólo por apostar en algún posible buen libro de un fotógrafo desconocido que seguramente se tardará una eternidad en vender les hizo cambiar. Aunque tampoco puedo dejar de decir que con esa política conservadora de edición, están perdiendo muchas y muy buenas oportunidades que los nuevos avances técnicos han ayudado a crear.

Por suerte, las nuevas generaciones de fanáticos por los foto-libros sí que nos hemos dado cuenta de esas oportunidades. Y además, también hemos tenido la suerte y la inquietud como para formarnos un criterio y tener una idea de cómo ha de ser un buen libro de fotografía. E incluso nos podría apetecer publicar uno alguna vez. Y aunque sabemos que seguramente nuestro libro no saldrá publicado en una de esas grandes casas editoriales, en aquella reunión creo que nos dimos cuenta de que en realidad tenemos muchísima suerte de que nos haya tocado vivir en esta época, cuando hay múltiples y muy accesibles procesos de impresión, edición, publicación y distribución. Es también un momento único en el que las siguientes generaciones, que tienen que ser las que ensanchen el mercado, están recibiendo y creciendo con ese amor por los libros de fotografía.

Y es por eso que aquella reunión fue tan importante, porque los asistentes nos dimos cuenta de que existía una escena independiente de libros de fotografía en España. Y no sólo eso, sino que alguno de ellos fueron capaces de dar continuidad a aquella reunión y crear el Book In Progress. Que en su primera edición del pasado sábado consiguió recrear, ampliar y darle continuidad a esa red entre creadores y lectores de libros de fotografía, dejando la sensación de que todo aquel que quiera imprimir, editar, publicar, distribuir o simplemente disfrutar de un libro de fotografía puede hacerlo. Y estoy seguro de que más de uno lo hará.

Y a riesgo, una vez más, de pasarme de romántico, puede que llegue un momento en el que un libro de fotografía será simplemente eso, un libro de fotografía donde el término autoeditado o independiente será obsoleto. Y el libro de fotografía en sí mismo tendrá toda la importancia que siempre debería haber tenido.


La aparición de la tecnología digital ha sido sin duda el cambio más drástico que ha vivido el medio en los últimos años. El abaratamiento del proceso, la simplificación técnica y la integración de las cámaras de fotos en otros dispositivos itinerantes como los móviles a dado un nuevo giro al rumbo de la fotografía. Pero últimamente, además de desarrollarse nuevas maneras de captar, almacenar o mostrar una imagen, se están aplicando tecnologías que nos plantean nuevas preguntas. Entre otros inventos cabe destacar el "detector de sonrisas", aplicación bastante extendida en cámaras digitales compactas. El detector de sonrisas hace que sea la cámara la que se dispare de manera autónoma en cuanto detecta una sonrisa en el encuadre. Me pregunto qué pasara cuando nos acostumbremos a salir perfectamente sonrientes en todas las fotografías de nuestros albumes familiares...

Más allá de logaritmos detectores de formas, otro nuevo invento que me ha sorprendido últimamente es una cámara que no saca fotos.

Se trata de un aparato desarrollado Sascha Pohflepp como tesis de su estudios de comunicación audiovisual en la Berlin University of the Arts, que de manera aleatoria busca imágenes que otros han sacado en el mismo preciso instante en el que tu aprietas el botón. Es decir, no quieres guardar la realidad que tu estas viviendo en ese instante, sino la que cualquier otro ha vivido en otro lugar que ni siquiera conoces... Sería algo así como una manera de evadirse de tu realidad? ¿la fotografía como forma de huir de lo que te rodea? Esto si que es nuevo...


Y para acabar también quería hablar de Nadia, “la cámara que piensa para que tu no tengas que hacerlo”, según dice su propio slogan. Desarrollada por Andrew Kupresanin también en la Berlin University of the Arts dentro de la Digitale Klass, es la primera cámara que utiliza Acquine, el primer "motor de conclusiones estéticas"de acceso público (os invito a probarlo con vuestras mejores fotos, yo todavía no he conseguido ni siquiera aprobar...) Es una cámara que no te mostrará la escena que quieres fotografiar, sino que cuando apuntes con su objetivo hacia un punto, te dirá si esa imagen es merecedora de ser creada.

Nadia plantea muchas interrogantes, como por ejemplo ¿valora en función de la composición de la imagen? ¿o por la calidad de la luz? ¿por la gama cromática? ¿tiene en cuenta los motivos representados? ¿es capaz de detectar caras y sonrisas?...

Son todas preguntas que giran en torno a una sola, ¿que es lo bello? Menos mal que estoy seguro de que esa pregunta nunca se podrá responder.